Música para gatos

Colecciones MpG: 8 grandes grabaciones del jazz latino que dificilmente encontrarás en las tiendas.

2012-01-28T20:22:00.006+01:00

Hoy nos vamos a dedicar al latin jazz, una rama del jazz nacida a finales de los años 40s y que se nutre basicamente de ritmos africanos, caribeños y cariocas combinados con el jazz norteamericano. El latin jazz fue iniciado por gente como Dizzy Gillespie, Stan Kenton, Mario Bauzá o Machito. Sus dos principales vertientes son la brasileña y la afro-cubana. El jazz latino brasileño incluye como estilos más representativos la bossa nova y la samba, mientras que el jazz afro-cubano se nutre de la salsa, el merengue , el songo, el son, el mambo, el bolero, la charanga la cumbia y el cha cha cha. Otras corrientes del género son la Onda Nueva venezolana y el Tango Contemporáneo argentino.

Pero vamos ya a poner música a tanto texto aportando los 8 discos que hemos escogido para hoy; "Wave" (1967) de Antonio Carlos Jobim, "Patato, Masterpiece" (1993) de Carlos 'Patato' Valdés, "City Tribes" (1995) de Charles Fambrough, "Urban Oasis" (1985) de Jorge Dalto, "El Comandante" (1994) de Mario Rivera, "On Broadway" (1982) de Tito Puente, "Bien Sabroso" (1983) de Poncho Sánchez y "Why Not" (1984) de Paquito D'Rivera. En la última y dolorosa selección tuvimos que dejar fuera decenas de trabajos absolutamente alucinantes de gente tan importante como Dizzy Gillespie y su United Nations Orchestra, Claudio Roditi, Flora Purim, Gato Barbieri, Hendrik Meurkens, Michel Camilo, Hilario Durán, Ignacio Berroa, Jane Bunnett... En fin, otra vez será.

Wave (1967) de Antonio Carlos Jobim

Wave es, sin duda, una de las más grandes grabaciones de Antonio Carlos Jobim y es también el disco que hemos escogido para representar a una de las corrientes más importantes del jazz latino; la bossanova. Grabado en el año 1967 cuando Jobim era ya una estrella indiscutible, el trabajo contiene algunos clásicos inmortales como Triste o Wave, probablemente dos de sus temas más recurrentes. Pero lo más importante de este larga duración es que todos y cada uno de sus cortes tienen la calidad suficiente como para haber considerados como tales. Podemos citar Look to the Sky, Batidinha, Antigua o The Red Blouse. Uno de aquellos discos en los que la tecla de avance de tu reproductor resulta del todo innecesaria y también una obra que contiene todo el genio de una de las mentes musicalmente más brillantes del pasado siglo XX.

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Urban Oasis (1985) de Jorge Dalto

Urban Oasis es el último trabajo que grabó el pianista, arreglista y compositor argentino Jorge Dalto antes de fallecer tras enfermedad en el año 1987 cuando tan sólo tenía 39 años.

Los amantes del jazz latino nos deberíamos poner en pie cuando se pronuncia el nombre de Jorge Dalto ya que fué uno de los músicos que mejor supo refinar la preciosa mezcla entre los ritmos más latinos y el nuevo jazz que se estaba cocinando en New York a principios de los años 70. No sería en absoluto exagerado decir que Dalto viene a ser algo así como el Miles Davis latino y resulta una obviedad calificarlo como uno de los padres de esa criatura que es el latin.
En "Urban Oasis" Dalto nos ofrece una nueva lección con temas como "Samba All Day Long", "La Costa" o "Ease my Pain" cantada por la que fue su mujer Adela Dalto. El disco cuenta además con músicos tan extraordinarios como su amigo Carlos 'Patato' Valdés a la percusión, Buddy Williams a la bateria o Artie Webb a la flauta.

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Patato Masterpiece (1993) de Carlos Patato Valdés.

En el año 1993 el venerable el sello alemán Messidor decidió grabar un trabajo que se venía gestando desde 1984 entre Carlos 'Patato' Valdes y el extraordinario pianista argentino Jorge Dalto, un disco que a la postre sería santo y seña para los aficionados de latin jazz de todo el mundo. Se tituló "Patato, Master Piece" y en él se sintetiza todo el genio de Patato.

"Masterpiece" es un disco que viaja en primera clase por el tango, el jazz, la descarga, el guaguancó y el bolero, siempre de forma magistral y con una tripulación de lujo compuesta por nombres como Jorge Dalto, Artie Webb, Michel Camilo, Jerry y Andy González, Nicky Marrero, Ignacio Berroa, Joe Santiago, Néstor Sánchez, Vicentico Valdés, y Sabú Martínez, entre otros.

Lamentablemente Dalto había ya fallecido cuando el proyecto vio la luz. De hecho tuvo que ser sustituído para las últimas sesiones ya que su enfermedad estaba demasiado avanzada, pero nos dejo unos increíbles arreglos que se mantuvieron en la gran mayoría de los temas. Su sustituto fue nada más y nada menos que Michel Camilo.

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Why Not (1984) de Paquito D'Rivera

Editado en el año 1984, "Why Not" incluye una nómina de músicos que cortan la respiración, como el propio D'Rivera, Michel Camilo y Toots Thielemans, tres auténticos maestros en sus respectivos instrumentos, apoyados por Claudio Roditi (quizás deberíamos decir cuatro maestros), Lincoln Goines, Sammy Figueroa, Manolo Badrena o Dave Weckl. El alucinante repertorio está compuesto por cuatro temas originales de D'Rivera, todos ellos auténticos clásicos en la discografía del saxofonista, como son "Gdansk" (dedicado al lider polaco Lech Walesa), Brussels in the Rain (dedicado a Toots Thielemans), Samba for Carmen (dedicado a Carmen McRae) y My Last Farewell, además de un tema de Thielemans, Waltz for Sonny, y el exitoso "Why Not" de Camilo que da el título al trabajo y, de paso, prueba la enorme generosidad de D'Rivera. Completan la selección la más brillante versión de "Manteca" que un servidor haya oido jamás y el delicioso "Como Fue", original de Duarte Brite.
Señores, pónganse en pie y disfruten de uno de los grandes trabajos que ha grabado Paquito D'Rivera, en nuestra opinión uno de los mejores saxofonistas de la historia de esta apasionante música llamada jazz.

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City Tribes (1995) de Charles Fambrough

Charles Fambrough es un excelente bajista de Philadelphia muy influenciado por el jazz latino y la música de Brasil, cosa que demuestra en este precioso trabajo. La nómina de músicos de esta grabación incluye al saxofonista de Aukland, Craig Handy; al trompetista John Swana; Ricky Sebastian, Marlon Simon y Café a la percusión, además del flautista Dave Valentin como invitado especial y Bill O'Connell, un veterano pianista curtido en mil batallas con artistas del nivel de Flora Purim, Airto Moreira o Gato Barbieri y sin duda , junto a Fambrough, uno de los músicos americanos que mejor entiende el toque latino. El resultado de la conjunción es una extraordinaria grabación influenciada por la música de Brasil y por el jazz a partes iguales, una receta que sabiamente aplicada acostumbra a producir resultados extraordinarios y que en esta ocasión no decepciona a nadie. 5 temas originales de Fambrough de entre los que destaca el precioso "Add a Lesson", 2 bonitas propuestas de O'Connell, 1 original de Swana, el trompetista de la banda, más una brillante composición del genial Wayne Shorter, "Dolores", completan una de las más interesantes grabaciones que hemos podido escuchar en los últimos tiempos y que os recomendamos de forma especial.

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"Bien Sabroso" (1983) de Poncho Sanchez.

"Bien Sabroso" es un excelente trabajo de uno de los grandes congueros de la historia del latin jazz, Poncho Sanchez. El larga duración incorpora una gran variedad de condimentos que convierten a esta grabación en una incontestable demostración de buena música.
El pianista de la sesión, Charlie Otwell, aporta dos preciosos temas, "Ahora" un alegre mambo en clave de bebop y "Brisa", un delicado cha-cha-cha con suaves arreglos de flauta a cargo de Dick Mitchell.
En "Keeper of the Flame", compuesto por Mark Levine (bonito su sólo de trombón de válvulas), Sanchez nos vuelve a recordar el largo y precioso tiempo que pasó junto a Carl Tjader, mientras que "Nancy", otro de los temas que os queremos destacar de forma especial, es un preciosos y emotivo bolero con una suave y jazzera melodía de trompeta, originalmente llamado "Cupido", escrito por Don García. También merecen mención especial los dos últimos cortes, "Half and Half", original del flautista Paul Horn y grabada por Carl Tjader en los 60s, donde Poncho se adentrá en los ritmos afro latinos con constantes y muy conseguidos cambios de ritmo y la pieza de cierre "Ican", un mambo escrito por Eddie Cano con excelente aportación de Otwell en forma de un poderosísimo tumbao.

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On Broadway (1982) de Tito Puente

On Broadway es un impresionante trabajo de Puente que incluye en su nómina a algunos de los músicos con los que había trabajado en sus conciertos con la Latin Percussion Jazz Ensemble, como el pianista argentino Jorge Dalto o el violinista Alfredo de la Fé a los que se añaden otros del nivel de "El Comandante" Mario Rivera que efectúa aquí un magnífico trabajo con saxos y flautas.
El precioso corte inicial, T.P.'s Especial, con memorable sólo de Dalto, y Jo-Je-Ti son los únicos originales de Puente contenidos en este trabajo. El resto son brillantes réplicas latinas de auténticos clásicos entre los que destacan poderosamente la conmovedora Sophisticated Lady, donde Puente nos muestra su habilidad para tocar el vibráfono; Bluessete, original del belga Toots Thielemans; Soul Song la popular Cançao de Sal del brasileño Milton Nascimento; On Broadway, un tema muy conocido por el pianista de la sesión, Jorge Dalto ya que lo había interpretado hasta la saciedad durante su estancia a finales de los 70s en la banda del guitarrista George Benson y, como no, Maria Cervantes (A Noro Morales), una magnífica composición que el pianista portoriqueño Noro Morales dedicara a su profesora, la pianista cubana Maria Cervantes y que por azar del destino ha servido más para homenajear a Morales que a Cervantes hasta el punto que muchos llaman al tema simplemente A Noro Morales.

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El Comandante (1994) de Mario Rivera.

Mario Rivera fue uno de los acompañantes más solicitados en el negocio del jazz y la música latina, pero a pesar de haber aparecido en cientos de grabaciones (o quizás por esa misma razón), Rivera registró sólo un disco como líder, el impresionante "El Comandante", cuyo título alude al sobrenombre por el cual el saxofonista es bien conocido. El disco es una extraordinaria colección de ritmos procedentes de todos los rincones de sudámerica, desde el merengue de su tierra natal hasta la música de Brasil, pasando obviamente por el jazz más latino del cual Rivera es uno de sus exponentes más ilustres.

El grupo que participó en esta grabación estuvo compuesto por el saxofonista George Coleman; el desaparecido pianista puertorriqueño Hilton Ruiz; Ed Cherry en la guitarra; Walter Booker y John Benitez al bajo; Ignacio Berroa y Phoenix Rivera a la bateria (este último también en el piano); José Alex Díaz a las congas y guiro; Rey Díaz a la tambora y Isidro Bobadillo en el sheqere y percusión dominicana, entre otros. Su hijo y baterista Phoenix Rivera fue el director musical de este proyecto que tiene por única pega el hecho de ser el único ejemplo que se puede encontrar de la música de este gran multi instrumentista.

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Esperamos que os guste pidiendo de antemano disculpas por la extensión del post.

Jazzy

"Weekend in L.A" (1977) uno de los más grandes trabajos del genial guitarrista de Pittsburgh, George Benson.

2012-01-27T13:27:00.004+01:00

George Benson nacido en Pittsburgh el 22 de marzo de 1943 es, sin lugar a dudas, uno de los mejores guitarristas de la historia. Además, se trata de uno de los artistas de jazz más populares de las últimas décadas, habiendo recibido encendidos elogios incluso por parte de la crítica.

Niño virtuoso de la guitarra, grabó su primer single "It Should Have Been Me" a la edad de los 10 años. No obstante Benson comenzó su carrera artística como cantante, actuando en nightclubs a los ocho años y grabando cuatro caras para el sello X de RCA en 1954. El sueño de ser vocalista le perseguiría el resto de sus días y años más tarde, al triunfar con el tema de Leon Rusell, This Mascarade, se atrevió a confesar que él siempre había querido ser cantante.

A los 17 años formó una banda de rock en la que ya empezaba a tocar la guitarra de forma profesional, concretamente una que su padre había construido para él. Pero en esa época se comenzó a interesar por grabaciones de Charlie Christian, Wes Montgomery y Charlie Parker, los que serían sus tres grandes referentes musicales. Para Benson fue un absoluto descubrimiento que le llevó a interesarse por el jazz.

Hacia 1962, poco después de cumplir los 19 años se integró en la banda del organista Brother Jack McDuff. Poco después, tras formar su grupo en 1965, Benson grabó dos discos de soul jazz y hard bop para Columbia y colaboró en otros trabajos con artistas como Miles Davis, en “Miles in the Sky”. En 1967 firma con Verve y al año siguiente, tras la muerte de Wes Montgomery, el productor Creed Taylor le ofrece la posibilidad de grabar con grandes conjuntos en sus discográficas A&M (1968-1969) y CTI (1971-1976). Estos discos le convirtieron en una estrella del jazz, y su música empezó a adquirir resonancia.

El tema que da título al trabajo que os presentamos hoy, Weekend in L.A. Desde el Festival de Montreux del año 1986. El precioso sólo de piano es de Barnaby Finch.

En 1976 es contratado por Warner Bros. y ese mismo año graba uno de los trabajos más importantes de la historia del jazz contemporáneo, el merecidamente aclamado “Breezin’”. Desde entonces y hasta el final de la década de los 70, George Benson encadenaría algunos de sus más importantes trabajos; el famoso doble amarillo “Livin’ Inside Your Love” (1977), “In Flight” (1977), su poderoso directo “Weekend in L.A.” (1978) y “Give Me the Night” (1980), su trabajo más funky hasta la fecha, producido por Quincy Jones.

Durante los ochenta frecuentó material más comercial pero casi nunca exento de calidad. Discos como “In Your Eyes” (1983) o “20/20” (1984) tienen su interés aunque obviamente están impregnados de un carácter más pop lo cual para los críticos de jazz suele ser, lamentablemente, sinónimo de basura. En esta linea me gustaría comentar las recientes declaraciones de Quincy Jones quién afirmó textualmente que quién no se hubiera enterado a estas alturas de que “Baby Be Mine” de Michael Jackson (contenida en el famoso “Thriller” del desaparecido artista) encierra la misma complejidad que “Giant Steps” de John Coltrane es que no se había enterado de nada. Y lo cierto es que compartimos las palabras de Jones. Cada artista es libre de hacer lo que le plazca y Benson siempre deseo cantar. Además tiene una voz agradable y algunos recursos que otros afamados vocalistas ni siquiera pueden imaginar.

Pero lo cierto es que Benson siempre fue un músico de jazz y nunca ha dejado de demostrarlo. A finales de los 80 grabó el excelente album de standards “Tenderly” y ya en 1990 sorprendió con “Big Boss Band” en el cual comparte créditos con la Orquesta de Count Basie. Desde entonces ha hecho básicamente lo que le ha dado la real gana, incluyendo un excelente trabajo con el vocalista Al Jarreau que tiene por título “Givin’ it Up” (2006). Y nosotros no hemos perdido la ilusión de seguir aplaudiendo a este extraordinario artista.

Hoy nos vamos a dedicar al que consideramos uno de sus más grandes trabajos, el incontestable Weekend in L.A., un doble disco grabado en el Roxy de Hollywood los días 30 de septiembre y 1 y 2 de octubre del año 1977.
Producido de nuevo por Tommy Lipuma, grabado y mezclado por Al Schmitt , Weekend in L.A. cuenta con músicos de la talla de Jorge Dalto (ac. piano, keys), Harvey Mason (drums), Phil Upchurch (guitar), Ronnie Foster (keys) y Ralph McDonald (perc.), además del eterno Stanley Banks al bajo (la más mítica banda de la amplísima trayectoria del guitarrista).

Weekend in L.A. es un disco que, si has llegado hasta aquí, no debería necesitar demasiadas presentaciones ya que contiene clásicos de la talla de On Broadway, versionado poco después por la banda del gran Tito Puente con Dalto en su formación; Down Here On The Ground, una revisión del tema de Lalo Schiffrin que supera con mucho el original; Lady Blue, dedicado a Billie Holiday y compuesta por Leon Russell o We All Remember Wes, escrita por Stevie Wonder para recordar a Benson que él no era el único que echaba a faltar a Wes Montgomery (Benson había compuesto previamente un tema llamado I Remember Wes, en honor al guitarrista desaparecido).

Uno de los temas más conocidos de Weekend in L.A. es este On Broadway. Recordar el sólo final de percusión de Mason y McDonald, que fue ampliamente difundido, aunque el que nos presenta en esta versión en directo no desmerece.

Nos apetece resaltar especialmente, además de los temas citados, las inspiradas Ode to Kudu y Weekend in L.A., ambas compuestas por Benson para la ocasión y It's All in the Game, una preciosa canción de Charles Dawes y Cal Sigman que incluye un delicado sólo de piano de nuestro admirado Jorge Dalto, que deja su impecable huella musical en todo el trabajo.

Esperamos que os guste.

TRACKS

1-Weekend in L.A. Benson
2-On Broadway Leiber, Mann, Stoller, Weil
3-Down Here on the Ground Garnett, Schifrin
4-California P.M. Benson
5-The Greatest Love of All Creed, Masser
6-It's All in the Game Dawes, Sigman
7-Windsong Larson
8-Ode to a Kudu Benson
9-Lady Blue Russell
10-We All Remember Wes Wonder
11-We as Love Foster

CREDITS

George Benson Lead Guitar and Vocals
Phil Upchurch Rhythm Guitar
Ronnie Foster Electric Piano, Mini Moog
Jorge Dalto Piano, Clavinet
Stanley Banks Bass
Ralph McDonald Percussion
Harvey Mason Drums

Jazzy

Algunas consideraciones a tener en cuenta a la hora de funcionar con el nuevo sistema. POR FAVOR, seguir estos consejos.

2012-01-26T18:56:00.005+01:00

Estimados gatos,

Hemos observado algunas anomalías en el funcionamiento propuesto que os queremos detallar a continuación. ES MUY IMPORTANTE para el buen funcionamiento de la web que sigáis al pie de la letra los siguientes puntos. Si no los tenéis en cuenta será muy difícil que funcionemos de forma correcta.

1-RESULTA IMPRESCINDIBLE que además de aceptar nuestra invitación para compartir la carpeta virtual de Música para Gatos os decidáis a instalar el software de Dropbox. Si no lo hacéis no podréis descargar nuestros archivos sonoros y los gatos no podrán disfrutar del espacio adicional que proporciona vuestra aceptación.

2-Cuando decidáis tomar prestado UN FICHERO DE LA CARPETA COMPARTIDA debéis copiar el fichero y luego pegarlo en vuestro ordenador PERO NUNCA ARRASTRARLO. Si lo arrastráis haréis que desaparezca de la carpeta y no podrá ser utilizado por otro miembro hasta que yo lo restituya, cosa que haré una vez al mes, más o menos. Lo ideal es DESCOMPRIMIR EL FICHERO QUE QUERÁIS dentro de la carpeta de MpG y luego arrastrar el fichero descomprimido de esa carpeta a vuestro escritorio. De esa forma el fichero zip quedará en la Drop y será accesible por todos los que vengan después de vosotros.

Vamos a incluir una carpeta de peticiones en cada uno de los años en los que está distribuida la Drop (desde 2009 hasta 2012, de momento). Si echáis a FALTAR ALGÚN FICHERO SIMPLEMENTE COLGAR UN ARCHIVO DE TEXTO (pesa muy poco) en la carpeta de peticiones y será atendida a la mayor brevedad. LA CARPETA ES SÓLO PARA PEDIR MATERIAL QUE HAYA SIDO PUBLICADO. Por favor absteneros de hacer peticiones de material no publicado. Sinceramente no las vamos a atender.

Acabo agradeciendo la buena respuesta de nuestros seguidores. De momento tenemos alrededor de 20 personas afiliadas. A ver si podemos ser más...

Saludos a todos,
Jazzy

INSTRUCCIONES PARA CONVERTIRSE EN UN GATO JAZZ. Como acceder a los archivos sonoros de Música para Gatos.

2012-01-23T14:23:00.016+01:00

Estos son lo pasos a seguir para poder escuchar los archivos sonoros contenidos en Música para Gatos, nuestra web dedicada al jazz y territorios anexos. Deciros que nosotros tan solo publicamos material descatalogado o muy difícil de encontrar en la gran mayoría de países del mundo o en su defecto que hayan transcurrido más de 25 años desde su fecha de publicación, con lo cual nos aseguramos de que su carrera comercial está agotada. No nos dedicamos a nuevos materiales ni a discos que puedan ser encontrados en cualquier tienda. Nuestra intención es promocionar a músicos que en nuestra opinión no cuentan con el reconocimiento que merecen sus enormes capacidades. Dar a conocer la música que nadie promociona es una obligación de los aficionados, no un acto de piratería, máxime teniendo en cuenta que nuestros archivos están en formato mp3 y lógicamente no disponen de carátula ni información adicional alguna. De hecho no son más de lo que era un disco grabado en una cinta de cassette hace ahora más de 20 años. En cualquier caso si alguien cree que alguno de nuestros ficheros o comentarios infringe algún derecho retiraremos el post y el archivo adjunto de forma inmediata.

Seguir cuidadosamente los pasos que os damos a continuación. Ser escrupulosos es importante para conseguir un buen funcionamiento. El nivel de dificultad es muy bajo.

1- Funcionaremos a través de Dropbox. Para aquellos que desconozcan el sistema les diremos que Dropbox es simplemente una carpeta virtual cuyo contenido está al alcance de todos aquellos que decidan libremente participar. La carpeta de Música para Gatos (se llamará MpG) contendrá los ficheros de todos los post publicados desde el inicio de nuestra actividad.

2-Dropbox cede de forma gratuita entre 2 y 5 gB de espacio (según fuentes), cosa que nos garantiza el poder alojar los archivos sonoros de nuestras publicaciones durante casi un año. Por cada uno de vosotros que decida unirse dispondremos de 500mB adicionales. Eso significa que si somos alrededor de 50 personas ya habrá de espacio para alojar absolutamente todos nuestros ficheros. Es imprescindible vuestra implicación. Sin ella no conseguiremos espacio y no podremos alojar todo el material.

A continuación os defino lo que debéis hacer en el caso de que os interese participar en este proyecto.

Que os pide Música para Gatos:

1-Lo primero que tenéis que hacer es asociaros al tejado. Para ello sólo tenéis que ir al encabezamiento de la página, donde pone Frecuentan Nuestro Tejado y hacer click en Participar en este sitio. Os adjuntamos foto con el detalle.

2-Enviarnos un mail que siga el siguiente formato: (nuestro email es musicaparagatos@yahoo.com )

Hola Jazzy,

Nos acabamos de unir a Música para Gatos con el nick (poned aqui vuestro nick escogido para asociaros a Música para Gatos). Desearíamos participar en la página y poder compartir vuestros archivos sonoros dando por supuesto que ello no conlleva coste alguno.

Sólo pretendemos escuchar los archivos a modo de evaluación con lo cual los ficheros extraídos de MpG serán borrados tras su audición. Nuestro objetivo es conocer nueva música. No somos piratas, tan solo nos gusta el arte.

Saludos
(nick)

3-Cuando recibamos vuestro mail y verifiquemos que os habéis asociado (repito, no conlleva coste alguno) os enviaremos un mensaje que contendrá una invitación para acceder a nuestra carpeta virtual. Tendreis que descargar un pequeño software e instalarlo en vuestro ordenador (freeware, es decir, de nuevo gratuito).

4-Cuando hayais cumplido los puntos anteriores aparecerá en vuestro ordenador una carpeta de nombre MpG que contendrá todos los ficheros sonoros que hemos aportado en los últimos casi tres años (y los que en un futuro llegarán). Es decir, que desde ese momento no tendréis necesidad de links u otras historias que en un futuro puedan caerse como lo hizo Megaupload. Tan solo tendréis que copiar y pegar en vuestro escritorio cualquier archivo que os apetezca. Estarán absolutamente todos accesibles (ordenados por fecha: Año/Mes de publicación) y no necesitarán tiempo de descarga.

MUY IMPORTANTE: Aquellos que lo utilicen que tengan en cuenta que los archivos han de seguir en la carpeta para futuros internautas, es decir, que debéis copiar y pegar la carpeta en vuestro ordenador pero NUNCA ARRASTRARLA. En cualquier caso un mantenimiento mensual solucionará cualquier problema derivado de un mal uso del sistema. NUESTRA RECOMENDACIÓN ES QUE DESCOMPRIMAIS el archivo en Drpbox y se generará en esa misma carpeta un archivo descomprimido que si podréis arrastrar hasta vuestro escritorio sin afectar el contenido de nuestra carpeta.

UNA COSA IMPORTANTE: Tan sólo aceptando nuestra invitación no conseguimos espacio en Dropbox. NECESITAMOS QUE INSTALÉIS Dropbox en vuestro ordenador para que nos concedan espacio gratuito que contribuya a alojar todos nuestros ficheros. Para instalar DropBox os sugerimos visitéis el siguiente enlace: Dropbox

Nota: Los que ya estéis asociados a MpG os podréis obviamente saltar el primer paso. Comenzar por el punto 2 pero recordar incluir el nick con el cual os asociastéis para que lo podamos verificar.

Para aquellos que sepáis algo de informática a nivel de usuario lo requerido no representará ningún problema. Si alguno necesita ayuda no dude en consultar.

SINCERAMENTE lamentamos tener que proceder de una forma diferente a la habitual pero pensamos que ha llegado el momento de cambiar. Lo sucedido con Megaupload (y lo que vendrá, ya han llamado a declarar a Mediafire!!!) lo modifica todo. A partir de ahora los servidores más populares será lugares poco seguros y a los gatos nos gusta sentirnos a gusto. A ver si de esta forma conseguimos tirar un tiempo aunque es obvio que cada día resultará más complicado.

Música para Gatos está dedicada a todos los artistas que de vez en cuando nos envían su obra para que la publiquemos a pesar de ser conscientes de que eso no les reportará un solo céntimo. Y a los músicos que jamás pudieron publicar un trabajo porque su material tenía demasiada calidad para resultar rentable. Y a los aficionados de esta maravillosa experiencia llamada jazz, entendida en la forma más extensa posible. Y también, como no, a todos aquellos que quieran convertirse en un gato jazz.

Esperamos que la iniciativa sea de vuestro agrado.

Jazzy

El cierre de Megaupload deja sin música a los gatos.

2012-01-20T11:52:00.004+01:00

Hola amigos,

Debemos informaros de que las autoridades americanas han decidido cerrar Megaupload, precisamente el servidor que utilizábamos para almacenar nuestros ficheros de audio. Eso significa que exceptuando el último de los publicados, Al Jarreau Live in Bremen, que hemos puesto en Multiupload, el resto de los post se han quedado sin su documento sonoro.

Hoy nos enterábamos además que Blogger, sin previo aviso, ha decidido eliminar el blog de nuestro amigo Luis, el sensacional Bosque Sonoro. Y también, dado lo acaecido con Megaupload, se han quedado sin ficheros algunas páginas tan importantes como Ver la Música, de otro de nuestros grandes amigos, Pere Garriga.

La verdad es que estamos jodidos. Es la segunda vez que nos sucede en muy poco tiempo y el trabajo de resubir más de 500 ficheros y acercaros un link de todos ellos nos parece, hoy por hoy, inasumible. Sinceramente en estos momentos no sabemos que vamos a hacer.

Han sido casi tres años de trabajo. Nos hemos divertido mucho y hemos conocido a gente increible, músicos y aficionados. Sólo pretendíamos promocionar la buena música y a pesar de que somos conscientes de que muchos de los trabajos que hemos publicado vulneraban derechos de autor, no es menos cierto que hemos sido sumamente cuidadosos en ese aspecto. Seleccionamos obras con más de 25 años o que no disponen de difusión y que por tanto son muy difíciles o imposibles de encontrar en el mercado, algunas de ellas incluso eran discos perdidos que nunca más se iban a reeditar, con lo cual nos parecía razonable y incluso sano recuperarlas y darles una nueva oportunidad. En todo ese tiempo sólo hemos tenido una reclamación de copyright, curiosamente de un trabajo de Paul Desmond del año 1963, que retiramos de forma automática. El resto han sido felicitaciones, en algunos casos incluso de los propios autores de las obras o de sus familiares y amigos, contentos de que sus obras pudieran ser de nuevo escuchadas a pesar de que ello no les reportara ni un céntimo, cosa que nos llenaba de orgullo. Pero nos tenemos que ese cuidado ha servido de poco.

En fin, ya informaremos de que decisión tomamos. Si no nos volvierais a ver os queremos transmitir un enorme abrazo y si decidimos seguir esperamos contar con vuestra valiosa compañia.

Jazzy

Al Jarreau Live in Bremen (1976). Un directo inédito del genial vocalista de Milwakee.

2012-01-19T18:57:00.003+01:00

Alwyn Lopez Jarreau nacido el 12 de marzo de 1940 en Milwakee (USA) es, sin duda, uno de los mejores vocalistas que ha dado el mundo de la música. Dotado de un privilegiado rango vocal de alrededor de 3 octavas y media, Jarreau se ha caracterizado además por ser un auténtico maestro de la percusión vocal y del scat, estilo que heredó de la escuela de jazz tradicional. Billie Holiday y Nat 'King' Cole fueron algunas de sus más tempranas referencias.

Su padre era Ministro de la Iglesia Adventista del 7º día además de vocalista aficionado, mientras que su madre era pianista en una iglesia. Por esa razón el pequeño Al, con sólo 4 años de edad, empezó a hacer sus primeros pasos actuando junto a sus hermanos en las misas y en eventos locales en su Milwakee natal. Pero Jarreau ha sido siempre un hombre polifacético y culturalmente inquieto. Estudió en Ripon College en Wisconsin y posteriormente se graduó en Psicología. Además Jarreau era un excelente deportista y llegó a destacar principalmente como baloncestista. Mientras tanto montó un grupo llamado The Indigos con el cual ofrecía conciertos en pequeños locales los días festivos y fines de semana.

Al Jarreau interpreta Take Five de Paul Desmond. Divertido y muy, muy brillante.

Con el título de Psicología bajo el brazo Jarreau se trasladó a Iowa para completar su formación con un Master de rehabilitación para disminuidos con la intención de ejercer esta profesión. Su primer destino laboral sería San Francisco, donde comenzó a trabajar como rehabilitador. Fue en esta ciudad donde la carrera de Al Jarreau comenzaría a tomar forma. Sin darse prácticamente cuenta se encontró cantando en pequeños locales en formación de trio con su buen amigo, el gran teclista y vocalista George Duke. Fue entonces cuando Jarreau decidió que su vida la iba a dedicar a la música y con este empeño se mudó a Los Ángeles.

Comenzó actuando en pequeños locales como Dino's, Trouvator o Bitter End West. Jarreau necesitaba grabar su primer disco para mostrar al mundo sus facultades y lo cierto es que no le resultó nada fácil. El recién nacido rock & roll copaba todos los esfuerzos de las compañías discográficas y este era un escenario realmente complicado para un nuevo artista de jazz. Ante la escasez de oportunidades Al Jarreau volvió a Milwakee donde lideró su propio grupo de jazz-rock. Estaba claro que dedicarse a la música no iba a resultar tarea sencilla, pero estaba tan convencido que decidió volver a Los Ángeles. Ante la ausencia de ofertas se dedicó a desarrollar su ya enorme repertorio de técnicas vocales y empezó a escribir sus primeras letras y canciones. Su trabajo tendría recompensa ya que en 1975 Warner Bross le ofrecería su primer contrato. El larga duración se llamaría "We Got By" y saldría al mercado ese mismo año. Producido por Al Schmitt, en "We Got By" Jarreau nos muestra su versión más soul y contiene algunos temas memorables como el propio "We Got By", "Spirits", "Susan's Song", "Letter Perfect" o la famosa "You Don't See Me". Son 9 temas en total, todos ellos escritos por Al Jarreau quien ganó su primer Grammy Alemán como nuevo solista internacional. Su carrera había despegado definitivamente y ya nadie la iba a detener. Para su primera grabación Al Jarreau contaría con la colaboración del teclista Tom Canning quien participó en los arreglos de todos los temas, además de Joe Correro a la bateria, Paul Stallworth al bajo, Larry Bunker al vibráfono y Arthur Adams en guitarra.

Un año más tarde llegaría al mercado su segundo larga duración, "Glow" (1976).
En "Glow" Jarreau sigue la linea iniciada con su primer trabajo, ofreciéndonos una interesante mezcla de jazz vocal, soul, funk y música de Brasil. 9 temas en total que incluyen cuatro composiciones clásicas del vocalista, "Hold On Me", "Have You Seen The Child", "Milwakee" y la preciosa "Glow" con unos arreglos muy bossanoveros. El resto son excelentes versiones de temas de artistas tan variopintos como el maestro Jobim (en "Agua de Beber") , Leon Russell ("Rainbow in your Eyes"), Elton John ("Your Song") , James Taylor ("Fire and Rain") y Sylvester Stewart ("Somebody's Watching Me"). Este sería el album que comenzaría a crear la leyenda de Jarreau como excelente versionador, posteriormente corroborada con las que hizo de temas tan interesantes como "Take Five" de Paul Desmond, "Blue Rondo a la Turk" de Dave Brubeck, "Spain" de Chick Corea o la reciente "Groovin' High" de Dizzy Gillespie.

Con "We Got By" y "Glow" bajo el brazo, Jarreau se lanzó a su primera gira internacional producto de la cual saldría a la venta su excepcional doble en directo "Look to the Rainbow" (1977), una valiosa selección de temas que incluiría algunos cortes de sus trabajos precedentes aderezados con otros compuestos para la ocasión como el genial Burst In With The Down, interpretado también por la gran Carmen McRae. Jarreau incluyó además varias brillantes versiones de clásicos como Better than Anything. Esa gira de conciertos por Europa convirtió a Jarreau en un artista conocido y le otorgó la experiencia necesaria para volver a su país como algo más que una promesa. Jarreau se había hecho un nombre en Europa pero Estados Unidos seguía siendo su asignatura pendiente.

Letter Perfect, el tema que abre su doble en directo del año 1977 Look to the Rainbow: Live in Europe. Hamburg 1976.

De esa época es la grabación que hemos decidido compartir hoy con vosotros, nada más y nada menos que el audio de uno de sus primeros conciertos en Alemania, concretamente el que ofreciera en Bremen en el año 1976, un disco que nunca ha sido editado y por tanto es imposible que puedas obtener una copia en cualquier formato. Nosotros lo hemos recuperado para los gatos del tejado desde QualityBootz, una web que comparte material no comercializado, con un nivel de calidad realmente excelente.

Si te gustó Look to the Rainbow, el doble en directo de 1977 al que hacíamos referencia unas lineas más atrás, no te puedes perder este trabajo.
Live in Bremen está compuesto por 11 cortes. Algunos de ellos, como Be What You Be o I'm All Smiles jamás volvieron a ser grabados por Jarreau y es por ello que el trabajo se nos antoja un documento de primera magnitud, especialmente si eres aficionado al genial vocalista de Milwakee. A nosotros, desde luego, nos ha encantado poder disponer de una versión alternativa de Letter Perfect y también nos ha parecido maravillosa la versión de Better Than Anything y de la inédita I'm All Yours.

Susan's Song, un precioso tema que Jarreau dedicara a su mujer, Susan Jarreau. Fue incluído en We Got By, el primer LP del vocalista y aunque no aparezca en Live in Bremen nos ha parecido interesante compartirlo con los gatos. Precioso!!!

Jarreau en su mejor momento. Jarreau en estado puro. Una auténtica delicia.

Esperamos que os guste.

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Más sobre Al Jarreau en Música para Gatos.

"We Got By" (1975) de Al Jarreau

"Glow" (1976) de Al Jarreau

"Look to the Raibow" (1977) de Al Jarreau

Al Jarreau. Cuando la voz es, además, un instrumento

Al Jarreau Box

La Mirada de Al Jarreau: Sus grandes versiones.

All Fly Home (1978) de Al Jarreau

This Time (1980) de Al Jarreau.

Breaking Away (1981) de Al Jarreau

TRACKS

1-Be What You Be Jarreau
2-Letter Perfect Jarreau
3-Your Song John, Taupin
4-Take Five Paul Desmond
5-Look All The Gates Jarreau
6-Agua de Beber Jobim, De Moraes
7-Aladin's Lamp Jarreau
8-Better Than Anything / I'm All Smiles Loughbrough, Weat / Martin, Leonard
9-You Don't See Me Jarreau
10-Somebody's Watching You Steward
11-Sweet Potato Pie Jarreau

CREDITS

Al Jarreau Vocals, Vocal Percussion, Miscelaneous Effects
Tom Canning Piano, Keys
Jerome Rimson Bass
Nigel Wilkinson Drums

Jazzy

"Hollywood Madness" (1979) uno de los grandes trabajos del saxofonista alto Richie Cole.

2012-01-15T13:50:00.003+01:00

Richie Cole es un saxofonista alto norteamericano nacido el día 29 de febrero de 1948 en Trenton, ciudad del estado de New Jersey. Cole es conocido por su sonido inconfundiblemente bop.

I Can't Get Started interpretada por la banda de Cole en NY el año 1981. Le acompañan Bruce Forman (g), Bobby Enriquez (p), Marshall Hawkins (b) y Scott Morris (ds).

Richie comenzó a tocar saxofón alto cuando tenía 10 años de edad en su ciudad natal. Enormemente influenciado por Sonny Rollins, Phil Woods, Gregory Herbert y Charlie Parker, el evidente talento y su gran dedicación le valieron una beca completa de Downbeat Magazine para ingresar en la prestigiosa Berklee School of Music en Boston.

Su carrera profesional comienza en 1969 cuando se une a la Buddy Rich Big Band. Más tarde pasará por la Big Band de Lionel Hampton y el Doc Severinsen Big Band antes de formar su propio quinteto. Ya con su banda, Cole recorre el mundo haciendo un gran esfuerzo para popularizar el bebop, género musical que le marcaría de por vida y al que dedicaría gran parte de su ya larga trayectoria, durante la cual ha tenido la oportunidad de tocar y grabar con artistas de la talla de Eddie Jefferson, The Manhattan Transfer, Bobby Enríquez, Freddie Hubbard, Sonny Stitt, Art Pepper, Tom Waits, Boots Randolph, y Nancy Wilson, por citar sólo unos pocos. A demás, la banda de Cole se ha presentado muchos de los grandes templos musicales norteamericanos, como el Village Vanguard o el Carnegie Hall.

Richie Cole con Bobby Enriquez al piano, Bruce Forman a la guitarra, Marshall Hawkinsal bajo y Scott Morris a la bateria. Interpretan Yard Bird Suite. Tremendo!

Richie Cole ha grabado más de 50 trabajos, entre ellos el famoso Hollywood Madness (1979, Muse Records) , uno de los LP's más valorados por sus incondicionales a pesar de los más de 30 años que han pasado desde su primera edición. Hollywood Madness es prácticamente imposible de encontrar en las tiendas y es por ello que nos hemos decidido a compartirlo hoy con vosotros.

Producido por Tim Hauser de The Manhattan Tranfer (el cuarteto vocal interviene en tres de los cortes) el disco es una revisión en clave de bop de algunos de los grandes temas del jazz clásico como el manido Hooray For Hollywood de Johnny Mercer, Hi-Fly de Randy Weston o Relaxin' At Camarillo de Charlie Parker acompañadas de otras compuestas para la ocasión por el propio Cole con aportaciones del vocalista Eddy Jefferson. Tom Waits participa también en el corte Waitin' for Waits, escrito especialmente para él por Cole y Jefferson.

Grabado en California el 25 de abril de 1979, Hollywood Madness es un larga duración de una enorme latitud musical que contiene un puñado de buenos temas, excelentes músicos y cuidados arreglos. Especial atención al magnífico trabajo de dos músicos no demasiado conocidos pero que destacan poderosamente en esta sesión, el guitarrista Bruce Forman y el pianista Dick Hindman.

Un blues interpretado por un jazzman. Panishman Blues con Bruce Forman (guitar),Bobby Enriquez (piano), Marshall Hawkins (bass) y Scott Morris (drums).

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-Hooray For Hollywood Mercer, Whiting
2-Hi-Fly Weston
3-Tokyo Rose Sings The Hollywood Blues Cole
4-Relaxin' at Camarillo Parker
5-Malibú Breeze Price
6-I Love Lucy Rizzo
7-Waitin' For Waits Cole, Jefferson
8-Hooray For Hollywood (Reprise) Mercer, Whiting, Siegel

CREDITS

Richie Cole Alto Sax
Bob Magnusson Bass
Les DeMerle Drums
Bruce Forman Guitar
Dick Hindman Piano
Michael Spiro Percussion
Eddie Jefferson Vocals on 2, 4 y 7
The Manhattan Transfer Vocals on 3, 6, 7 y 8
Tom Waits Vocals on 7

Jazzy

"Music" (1989) de Michel Petrucciani. Petrucciani en estado puro.

2012-01-14T08:01:00.006+01:00

Michel Petrucciani fue un extraordinario pianista de jazz nacido el 28 de diciembre de 1962 en Orange, Francia. Petrucciani provenía de una familía italo-francesa con un gran bagaje musical. Su padre, Tony, tocaba la guitarra, su hermano Luis era bajista y su otro hermano, Philippe, era guitarrista también. Michel nació con osteogénesis imperfecta, una enfermedad genética que provoca una excesiva frágilidad en los huesos, cosa que fue determinante en su aspecto físico y su baja estatura, que alcanzaba apenas un metro. Fue un niño frágil, a menudo afectado por dolencias pulmonares que serían, a la postre, las que le costarían la vida.

Cuando era un niño, su padre y su hermano acostumbraban a llevárselo a los conciertos que hacían, más que nada por que no podían estar lejos de él dada su absoluta dependencia física. El pequeño Michel se limitaba a mirar, escuchar y aprender.

Pronto se convirtió en un entusiasta de Duke Ellington y su única ambición desde entonces fue ser pianista como su ídolo.
Aunque se formó en el ámbito de la música clásica, siempre se mostró principalmente interesado por el jazz, dando su primer concierto como profesional a los 13 años. En este punto de su vida, era todavía bastante frágil, y tuvo que ser llevado hasta el piano. Su tamaño era tan reducido que necesitaba ayudas para alcanzar los pedales, pero sus manos eran suficientemente grandes para hacer realidad su sueño. A los 15 años tuvo la oportunidad de tocar con Kenny Clarke y Clark Terry y a los 17 ya realizó su primera grabación. Fue en 1981, con 19 años de edad, cuando apareció en el mercado su primer trabajo como leader, "Date with Me".

"Tone Poem" con su amigo Charles Lloyd (tenor sax), Cecil McBee (bass)y Jack DeJohnette (drums). Precioso.

En 1982, se mudó a los EE.UU. donde conoció a un hombre que sería clave en su carrera, el saxofonista de jazz Charles Lloyd quién le ánimo y le ayudó, cautivado por su impresionante técnica. El día 22 de febrero de 1982 lo cambiaría todo. Esa noche se estaba rodando One Night with Blue Note, una película dedicada al jazz, dirigida por John Jopson, en la que aparecían algunas de las más importantes leyendas vivas que habían desfilado por el sello Blue Note. De repente subió al escenario Charles Lloyd con Petrucciani en brazos y lo sentó en una silla ubicada delante del piano. Fue uno de los puntos álgidos de la que sería una de las más grandes noches de la historia del jazz. Jopson confesaría después que la imagen de Lloyd con Michel le conmovió hasta las lágrimas. Imaginamos que el piano de Petrucciani acabó en pocos segundos con su llanto.

Su estilo, a medio camino entre el lirismo de Bill Evans y la precisión milimétrica de Keith Jarret y, por que no decirlo, su fragilidad, cautivaron de forma inmediata al público norteamericano y su carrera despegó iniciando una trayectoria frenética de grabaciones y conciertos (casi 25 discos entre originales y directos) que se truncaría de golpe el día 6 de enero de 1999. Michel Petrucciani moría en New York por las complicaciones que se generaron tras una infección pulmonar. Tenía sólo 36 años pero había dejado una profunda huella en el mundo del jazz que ya nadie podrá borrar, ni siquiera aquellos que tanto le criticaron cuando en sus dos últimas grabaciones decidió dar un pequeño giro hacía lo que ellos denominan "comercialidad".

Michel Petrucciani, Andy McKee, Victor Jones y Adam Holzman nos regalan este delicioso Bite grabado en el Theaterhaus Stuttgart West Germany. Abril de 1990.

El 12 de febrero de 2009, diez años después de su muerte, el canal de música francesa Mezzo transmitió un evento especial para rendir homenaje a Petrucciani que por cierto puede ser seguido prácticamente de forma integra en Youtube.

Hoy nos vamos a dedicar a su trabajo de 1989, Music, un disco que contiene una preciosa colección de 10 temas compuestos y arreglados por el pianista.

Music es un disco realmente extraordinario. Pasión y lirismo, dos de las características básicas en la música de este impresionante artista, se unen para dar como resultado un trabajo que deberás degustar en un momento de absoluta tranquilidad. Con participaciones especiales de la brasileña Tania Maria en vocales y de Gil Goldstein en el acordeón y músicos en nómina de la talla de Anthony Jackson, Eddie Gómez, Romero Lubambo, Joe Lovano o Lenny White, Music es un larga duración que se nos antoja indispensable si te interesa la trayectoria de este singular músico y es por ello que hemos decidido acercarlo en el tejado de hoy.

Looking Up, el tema que abre Music, el disco de Petrucciani que os acercamos en el tejado de hoy.

En el capítulo de recomendaciones nos apetece especialmente citar las delicadísimas Memories of Paris y Lullaby; las deliciosas Looking Up y Bite y la encantadora Thinking on Wayne. Mención aparte merece la complicadísima Happy Birthday Mr. K, una auténtica lección de piano.

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-Looking Up Petrucciani
2-Memories of Paris Petrucciani
3-My Bebop Tune Petrucciani
4-Brazilian Suite, No. 2 Petrucciani
5-Bite Petrucciani
6-Lullaby Petrucciani
7-O Nana Oye Petrucciani
8-Play Me Petrucciani
9-Happy Birthday Mr. K Petrucciani
10-Thinking of Wayne Petrucciani

CREDITS

Michel Petrucciani Arranger, Organ, Piano, Producer, Synthesizer, Vocals
Frank Colon Percussion Gil Goldstein Accordion Eddie Gomez Bass Adam Holzman Synthesizer Anthony Jackson Bass (Electric) Victor Jones Drums
Joe Lovano Sax (Soprano) Romero Lubambo Guitar (Acoustic) Tania Maria Arranger, Vocals Andy McKee Bass (Acoustic) Chris Walker Bass (Electric)
Lenny White Drums

Jazzy

"Carry On" (1979) de Flora Purim. La singular voz de una de las grandes vocalistas brasileñas.

2012-01-12T11:46:00.005+01:00

Influenciada tanto por la música tradicional de Brasil como por el arte vocal de algunas de las grandes del jazz americano como Ella Fitzerald o Sarah Vaughman, Flora Purim es sin duda una de las cantantes más exitosas e influyentes de los años 70.

Nace el 6 de marzo de 1942 en Rio de Janeiro. Su padre era un emigrante ruso aficionado a tocar el violín mientras que su madre, brasileña, era una excelente pianista.

A finales de los años 60, Flora Purim se casa con el batería y percusionista Airto Moreira y juntos deciden abandonar Brasil, que en esos momentos estaba sufriendo los excesos de la dictadura militar, para recalar en New York. Para entonces Flora Purim ya dominaba la guitarra, el piano, y la percusión y poseía un rango vocal y un personal estilo que la hacía diferente del resto de vocalistas.

Una jovencísima Flora Purim acompañando a Stan Getz, Stanley Cowell, Miroslav Vitous y Jack Dejohnette. Imágenes grabadas en Paris en 1969.

Duke Pearson fue el primer músico estadounidense en invitar a Flora a cantar junto a él. Poco después la contrataría Bill Evans quién, además, le daría la oportunidad de experimentar. Era el inicio de los años 7o y en New York se estaba cociendo un nuevo estilo musical del cual tanto Purim como su marido Airto Moreira serían protagonistas. El jazz más eléctrico (a vecés llamado jazz-rock, otras, más acertadamente fusion o new jazz) estaba haciendo su aparición.

En 1972 Flora y Airto participan en la grabación de los dos primeros trabajos de un nuevo grupo de nombre "Chick Corea & Return to Forever". "Return to Forever" (1972) (aunque editado más tarde) y "Light as a Feather" de ese mismo año representarían la confirmación de un nuevo concepto musical iniciado por el innovador Miles Davis con quien Airto había tocado dos años antes. Flora contribuiría a las grabaciones de forma activa con su voz y poniendo letra al tema de Stanley Clarke, "Light as a Feather" que daba título al disco. El resultado ya es historia.

Desde entonces las carreras de Flora y Airto no pararon de crecer. Flora Purim comenzó a grabar como lider en el año 1973 con "Butterfly Dreams", y ya no pararía hasta la actualidad, además de colaborar en conciertos y grabaciones con gente del nivel de Eumir Deodato, Carlos Santana, George Duke, Michael Franks o Dizzy Gillespie. Airto contribuiría a la formación de Weather Report y se convertiría en uno de los baterias más admirados del jazz contemporáneo.

"Dindi" de Jobim interpretada por Purim e incluída en "Butterfly Dreams". El autor del video ilustra la música con preciosas y evocadoras imágenes.

Pero hoy nos vamos a dedicar a Carry On (1979), el noveno trabajo en solitario de la artista brasileña.

Carry On incluye los ingredientes habituales en la discografía de Flora, es decir, jazz, samba, latin, funk, fusion y algunas gotitas de rock y cuenta con la participación de algunos de los mejores músicos de sesión de la época, cosa que podéis comprobar con un simple repaso a los créditos, absolutamente alucinantes, ubicados como siempre al final de esta nota. El disco contiene tres cortes compuestos por la vocalista de Rio de Janeiro, curiosamente tres dulces baladas. El resto son temas de gente tan importante como Gilberto Gil, Milton Nascimento, George Duke o nuestro adorado Toninho Horta (la deliciosa Beijo Partido).

Carry On fue producido por el teclista y vocalista George Duke junto a su amigo, el bajista Stanley Clarke, el mismo año en el cual él publicaba su excepcional Brazillian Love Affair, también con participación de Flora Purim y que podéis encontrar también en Música para gatos.

Esperamos que os guste.

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Un regalito para acabar. Medley de Antonio Carlos Jobim interpretado por Flora Purim, Airto Moreira, Lee Ritenour, David Sanborn, Eliane Elias, Paulinho Braga, Oscar Castro Neves, Nana Vasconcelos y más. Garota de Ipanema, Aqua de Beber, Desafinado, Aguas de Março y algunas notas de Samba D'Una Nota So. Un merecido homenaje al maestro.

Si queréis otros enlaces dode escuchar la voz de esta increible artista los encontraréis a continuación.

Nothing will Be As It Was... Tomorrow! (1977)
Encounter (1976)
Butterfly Dreams (1973)

TRACKS

1-Sararar Gil
2-From the Lonely Afternoon Nascimento
3-Niura Is Coming Back Purim 2:53
4-Once I Ran Away Purim
5- Carry On Duke
6-Love Lock Lucas, Mtume
7-Corine Duke, Moreira, Purim
8-Island in the Sun (Interlude) Batteau, Sembello
9-Beijo Partido Horta
10-Freeway Jam Middleton

CREDITS

Flora Purim Arranger, Finger Snaps, Musician, Vocals
Airto Moreira Bell Tree, Cowbell, Drums, Guica, Musician, Percussion, Shaker, Squeezebox, Tambourine, Triangle, Wood Block
Stanley Clarke, George Duke Producers
George Duke Arp, Arranger, Fender Rhodes, Keyboards, Moog Synthesizer, Musician, Oberheim, Piano, Producer, Prophet Synthesizer, Synthesizer, Vocals, Yamaha Keyboards
Sheila Escovedo Finger Snaps, Musician, Percussion David Amaro Bagpipes, Guitar (Electric) Michael Azevedo Conga, Musician Leon "Ndugu" Chancler Bass, Drums, Hi Hat Lynn Davis Finger Snaps, Musician, Vocals (Background)
Laudir DeOliveira Conga, Timbales, Wood Block Joe Farrell Flute, Musician, Sax (Soprano) Hugo Fattoruso Arp Odyssey, Keyboards, Musician, Synthesizer
Fred Fleck Drums, Musician, Talking Drum Ronnie Foster Keyboards, Yamaha Keyboards Gary Buho Gazaway Flugelhorn Jerry Hey Musician, Trumpet
Josie James Vocals (Background) Al Jarreau Vocals Keith Jones Bass Ricky Lawson Drums Bobby Lyle Keyboards, Musician, Piano, Synthesizer, Yamaha Keyboards Byron Miller Bass David Myles Guitar, Guitar (Electric)
Greg Phillinganes Melodica, Musician, Synthesizer, Yamaha Keyboards Bill Reichenbach Jr. Trombone Michael Sembello Guitar, Guitar (Acoustic), Guitar Arrangements, Guitar Effects Sheila E. Timbales Raul de Souza Trombone Larry Williams Flute, Musician, Piccolo, Sax (Alto)

Jazzy

"Ruby, Ruby" (1978) de Gato Barbieri. La cara más comercial del genio de Rosario.

2012-01-10T11:59:00.004+01:00

Leandro 'Gato' Barbieri es, probablemente, el segundo artista de jazz argentino más conocido, únicamente superado por Lalo Schifrin. Su historia se ha escrito como un va y viene constante entre su tierra, Argentina, y su patria adoptiva, E.E.U.U.. Su carrera ha sufrido algo parecido ya que comenzó tocando ritmos latinos tradicionales, pero pronto descubrió el jazz y durante los años 60 se interesó por su faceta más vanguardista grabando algunos trabajos como su "Obsession" de 1967 en la linea más free. A principios de los 70, predominó en su música la fusion del jazz y la música latina. Pero a mediados de esa misma década firmó com A&M Records, la discográfica de Herb Alpert, y su música dió un nuevo giro orientándose hacia el smooth jazz e incluso algo de pop. Pero lo cierto es que la calidad y el sonido cálido y absolutamente inconfundible de este extraordinario saxofonista ha dejado una fuerte huella y su influencia en las nuevas generaciones no ha parado de crecer en los últimos años.

Carlos Santana y Gato Barbieri comparten este delicioso Europa, un tema que ambos, cada uno en su estilo, consiguieron convertir en un éxito.

Barbieri nació en la provincia argentina de Rosario un 28 de noviembre de 1932. Aunque en su familia hubieron bastantes músicos, no se interesó por ningún instrumento hasta los 12 años, momento en el que escuchó por primera vez "Now's the Time" de Charlie Parker. El tema le impresionó tanto que inmediatamente decidió aprender a tocar el clarinete.
En 1947 su familia se traslada a Buenos Aires donde sigue con sus estudios de música y poco después comienza a tocar el saxo alto y se une a la banda del gran Lalo Schifrin . Fué esta experiencia la que le permitiría alcanzar el nivel necesario para dar el salto y montar su propia banda ya a finales de los años 50.

En 1962 se traslada a vivir a Roma con su mujer, italiana de nacimiento. Al año siguiente se va a Paris, donde conoce a Don Cherry y muy pronto se incorpora a su banda. Son los años más salvajes de Barbieri, cosa que se puede constatar tan sólo con la audición de su sólo en el tema "Hotel Oberture" incluído en "Escalator Over the Hill" (1971) , grabación de otra artista inclasificable, la pianista californiana Carla Bley.

Pero la música de Barbieri estaba a punto de dar un giro importante ya que fué en ese momento cuando abandono el jazz más vanguardista para centrarse en el latin jazz más experimental. En ese periodo encontramos grabaciones como su directo El Pampero o los cuatro discos a modo de capítulos dedicados a Latinoamérica, a saber, "Chapter One: Latin America" (1973), "Chapter Two: Hasta Siempre" (1973) , "Chapter Three: Viva Emiliano Zapata" (1974) y "Chapter Four: Alive in New York" (1975). Sin embargo fue la sensual banda sonora original de la controvertida película de Bernardo Bertolucci "Last Tango in Paris" (1972) lo que le daría un reconocimiento internacional convirtiéndolo en una auténtica estrella y permitiéndole actuar en festivales de jazz como Montreux, Newport o Bologna.

En 1976 Gato Barbieri daría un nuevo giro en su carrera con la publicación de su trabajo "Caliente". El disco incluye un elenco de lujo con músicos de la talla de Randy Brecker, Eric Gale, Harry Lookofsky, Ralph McDonald, Lenny White o David Spinozza. "Caliente", contiene una conocidísima versión de uno de los grandes éxitos del guitarrista mejicano Carlos Santana, "Europa". El disco oscila entre el jazz, el latin y el pop con absoluta naturalidad y incorpora el ya tradicional sonido Barbieri. "Caliente" sería el punto de inicio de un nuevo cambio en el estilo del artista, adquiriendo una sonoridad más acorde con los tiempos y explorando las mezclas entre la música latina y el jazz más comercial.

Dos años más tarde, en 1978 presenta un nuevo trabajo, "Ruby, Ruby" que es el disco que os ofrecemos hoy. "Ruby, Ruby" contiene 4 temas originales de Gato Barbieri, entre los cuales destacan los clásicos "Nostalgia" y "Sunride", además de 4 versiones , 3 de ellas de gente tan importante en ese momento como Herb Alpert (productor del trabajo), Marvin Gaye o Stevie Wonder (impresionante "Ngiculela-Es Una Historia- I Am Singing"). Ojo con los créditos porqué son dificilmente repetibles.

Latinoamérica y I Want You. dos de las muchas caras de Gato Barbieri. Desde el Festival de Montreal del año 1984.

Desde finales de los 70 hasta los años 90 publicaría 7 trabajos más pero lo cierto es que el nivel de calidad ya nunca volvería a ser el mismo. Además pasó prácticamente toda la década de los 90 inactivo por problemas de salud que le vinieron tras la depresión que sufrió al morir su esposa Michel Barbieri. Afortunadamente Gato Barbieri volvió a grabar tras esa dura etapa y aunque su maestria con el saxofón permanecía intacta, lo cierto es que su música adolecía ya de un rasgo que siempre le había caracterizado de forma inequívoca: su innata capacidad para innovar.

Su último trabajo se llama "The Shadow of the Cat" y data del año 2002.

Esperamos os guste. Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

1-Ruby Parish/Roemheld
2-Nostalgia Barbieri
3-Latin Reaction Gaye
4-Ngiculela-Es una Historia-I Am Singing Wonder
5-Sunride Barbieri
6-Adios Barbieri
7-Blue Angel Barbieri
8-Midnight Tango Alpert

CREDITS

Gato Barbieri Arranger, Sax (Tenor) Herb Alpert Trumpet, Arranger, Producer
Jon Faddis Trumpet, Flugelhorn Marvin Stamm Trumpet, Flugelhorn Alan Rubin Trumpet, Flugelhorn Lew Soloff Trumpet, Flugelhorn Wayne Andre Trombone Paul Faulise Trombone Joe Caro Guitar Lee Ritenour Guitar David Spinozza Guitar Jay Chattaway Arranger, Orchestration Bernard "Pretty" Purdie Drums Steve Jordan Drums Steve Gadd Drums Lenny White Drums
John Gale French Horn Tom "Bones" Malone French Horn Peter Gordon French Horn Don Groinick Organ Chuck Domanico Bass Eddie Guagua Bass
Gary King Bass Joe Clayton Conga Paulinho Da Costa Percussion Angel "Cachete" Maldonado Percussion Portinho Percussion Eddy Martinez Keyboards David Nadien String Contractor, String Conductor David Earl Taylor Trombone Ian Underwood Synthesizer

Jazzy

Habana Nocturna (1999) de Hilario Durán. Un extraordinario disco de jazz latino.

2012-01-07T09:31:00.001+01:00

Hilario Luis Durán Torres, conocido en el mundo de la música como Hilario Durán nace en La Habana, Cuba en el año 1953. Al igual que otros músicos cubanos, su vida se desarrolla en el seno de una familia muy musical y crece rodeado de una inmensa variedad de influencias. La abuela de Hilario tocaba la guitarra, su madre realizó estudios de piano y su padre, el señor Hilario Durán, tocaba guitarra y fue cantante en su juventud. La casa de los Durán contaba con una vasta colección de todo tipo de música que incluía clásica, jazz y música popular. Cuando tenía solo 8 años, comenzó a tocar el piano de oído, sentándose por largas horas como si este fuera un juguete.

A finales de los años sesenta, Omara Portuondo se trasladó a vivir cerca de la casa de Hilario Durán y un día al pasar y escucharlo en su habitual práctica de piano, se detuvo y días mas tarde, visitó su casa para regalarle la que fuera la primera copia de la partitura del tema “Debí Llorar” compuesta por Giraldo Piloto y Alberto Vera. Hilario estaba obsesionado con el piano e inmerso totalmente en el trabajo de artistas como Errol Garner, Roy Eldridge, Harry James, Jachaturian, Tchaikovsky, Gershwin, Ernesto Lecuona, Bola de Nieve, Vicentico Valdés, Adolfo Guzmán y Frank Emilio Flynn, escuchando, aprendiendo, imitando y tratando de reproducir toda la música que le gustaba. Es en esta etapa cuando comienza a recibir junto a su hermana, clases privadas de piano con diferentes profesores, entre ellos, Caridad Mezquida, la tía del gran guitarrista cubano Leo Brower.

En 1968 comenzó sus estudios de música en el Conservatorio Amadeo Roldan, simultaneándolo con sus clases con la profesora Andrea Mesa. Al año siguiente es aceptado en el Conservatorio a tiempo completo teniendo como profesor al siempre recordado Oscar Lorié. Durante este período se convirtió en un adicto del jazz escuchando discos de Stan Kenton, Dizzy Gillespie, Charles Lloyd, Keith Jarrett, Chucho Valdés y escuchando también discos de Europa del Este, artistas de Rusia, Checoslovaquia, Alemania y Polonia. En este tiempo era muy difícil encontrar en Cuba discos de jazz americano por lo que Hilario se reunía con sus amigos más cercanos a escuchar toda esta música por la onda corta de radio.

Con Jane Bunnett y Frank Emilio en una extraordinaria interpretación que se produjo en 1997 en el marco del Montreal International Jazz Festival.

En 1970 comenzó su Servicio Militar Obligatorio tocando clarinete en la Banda del Estado Mayor del Ejército. Esto le dio la oportunidad de trabajar con músicos como Jorge Reyes, Elpidio Chapotin, Carlos del Puerto e Ignacio Berroa entre otros. En el año 1973, comienza a trabajar como músico profesional con “Los Papa Cun‐Cun” sustituyendo al gran pianista Freddy González de la Maza.

A mediados de los años setenta, su carrera toma una nueva e importante dirección cuando Chucho Valdés decide formar su legendario grupo Irakere y le llama para que lo reemplace en la Orquesta Cubana de Música Moderna. A partir de este momento dirigido por German Piferrer, comienza a descubrir nuevos territorios en la música, introduciéndole en el intrincado mundo de las orquestas de Big Band. Con la Orquesta Cubana de Música Moderna, Hilario aprendió y trabajó con grandes músicos entre ellos Guillermo Barreto, El Chino Lam, Braulio Hernández, Adalberto Lara “Trompetica” y el Güajiro Mirabal, entre otros. Esta orquesta le brindó la oportunidad de viajar y trabajar en festivales y eventos en Europa del Este y en toda Cuba. La Orquesta Cubana de Música Moderna le proporcionó también la oportunidad de aprender orquestación, al trabajar con las partituras y arreglos musicales de músicos de la talla de Rafael Somavilla, Armando Romeo y German Piferrer, entre otros. Formó también parte de la Orquesta “Todos Estrellas” acompañando a Oscar D’Leon, en el Festival de Varadero. Trabajó en los Estudios de grabaciones de la EGREM, inicialmente como pianista y más tarde como arreglista, compositor y director con artistas como Omara Portuondo, Miriam Ramos, Amaury Pérez, Donato Poveda, Silvio Rodríguez y Beatriz Márquez, solo por mencionar algunos.

En el año 1981, Arturo Sandoval crea su banda e invita a Hilario para formar parte de esta como pianista, arreglista y además compartir la dirección musical de la misma, brindándole la posibilidad de continuar desarrollandose y a su vez trabajar en diversos festivales alrededor del mundo. Junto a Arturo Sandoval, Durán compartió escenarios con Dizzy Gillespie y poco después haría lo propio con Michel Legrand.

En 1987, Hilario Durán realiza, aún con Sandoval, su primer viaje a Canadá presentándose en el Teatro Spectrum como parte del Festival Internacional de Jazz de Montreal. 3 años después, en 1990, para sorpresa de todos, Arturo Sandoval se establece en Estados Unidos. En ese momento Durán decide continuar un nuevo trabajo musical junto a los integrantes de la banda que quedaron en Cuba. Con este grupo, llamado Perspectiva realiza presentaciones en Europa y América del Sur. Con Perspectiva, Durán grabó dos importantes discos en los estudios EGREM, titulados “Tiembla Tierra” y “Buscando Cuerdas”. En esta etapa Hilario Durán también colabora con Chucho Valdes, realizando arreglos para Irakere.

El año 1990 marca para Hilario una década de grandes cambios en su vida. El gran baterista Guillermo Barretto, con quien tuvo la oportunidad de trabajar durante varios años en la Orquesta Cubana de Música Moderna, le presenta a la afamada flautista y saxofonista Jane Bunnett quién le invita a participar en su siguiente trabajo, “Spirits of Havana” junto a Gonzalo Rubalcaba, Frank Emilio Flynn, Yoruba Andabo y la cantante Merceditas Valdes obteniendo un premio Juno. En el año 1994, Durán es nuevamente invitado a Toronto por Bunnett con el fin de realizar la grabación del extraordinario disco “Rendezvous Brasil Cuba” con Carlitos del Puerto Jr. y junto a los conocidos hermanos del Brasil , Filó y Celso Machado.

Hilario continúa trabajando junto a Jane Bunnett y Spirits of Havana como pianista, arreglista y director musical realizando presentaciones en diferentes festivales en Norte América y Europa por alrededor de tres años. Poco después Jane Bunnett y su esposo, el trompetista Larry Cramer, producen para Hilario Durán tres discos con la firma discográfica Justin Time, a saber: “Francisco’s Song” (1996), “Killer Tumbao” (1997) y “Habana Nocturna” (1999), el trabajo que hemos decidido compartir hoy.

"New Danzon", el tema que da título a su trabajo de 2004.

Contando con invitados de lujo como Jane Bunnett, Horacio “El Negro” Hernández y Roberto Occhipinti, "Habana Nocturna" es un disco extraordinario en el cual quedan patentes todas las habilidades de Hilario Durán y del grupo de músicos que le acompañan. Una colección de 6 temas clásicos como U.M.M.G. de Billy Strayhorn, Drume Negrita de Ernesto Granet o Harlem Nocturne, además de 3 composiciones de originales de Durán; "Esto Si Tiene Que Ver", "Moonface (Havana Nocturna)" y "Lada 78" dedicada a un coche de la marca rusa que heredó de Arturo Sandoval, presumiblemente cuando este abandonó Cuba.

Desde entonces ha editado 3 trabajos más, "New Danzón" (2004), "Encuentro en La Habana" (2005) y "From the Heart" (2006), este último dedicado a los grandes maestros cubanos que le han influenciado durante su ya dilatada carrera, como Rafael Somavilla, Adolfo Guzmán, German Piferrer o Ernesto Lekuona. "From the Heart" obtuvo un premio Juno y fue nominado a los Grammy como mejor grabación de jazz.

Actualmente Hilario Durán es un reconocido pianista. Vive en Toronto junto a su mujer y su hija Yailen que también es pianista, compositora y cantante.

Esperamos que os guste. Encontraréis link en comentarios.

TRACKS

1. U.M.M.G. - Upper Manhattan Medical Group Strayhorn
2. Autumn Nocturne Gannon/Myrow
3. Drume Negrita Grenet
4. Harlem Nocturne Hagan/Rogers
5. Esto Sí Tiene Que Ver (You Must See This) Durán
6. Moonface (Habana Nocturna) Durán
7. Lada 78 Durán
8. Song For Argentina Bunnett
9. Like Someone I Love Burke

CREDITS

Hilario Durán piano
Jane Bunnett flute and soprano saxophone
Marie Bérard violin
Larry Cramer trumpet
Steve Dann viola
David Heatherington cello
Horacio "El Negro" Hernández drums
Hugh Marsh violin
Roberto Occhipinti acoustic bass
Rodolfo Valdés Terry congas

Jazzy

"Tiger in the Rain" (1979). Uno de los grandes trabajos de Michael Franks.

2012-01-06T07:26:00.004+01:00

Michael Franks nace un 18 de septiembre del año 1944 en La Jolla (California). Enormemente popular en los años 80, Franks ha trabajado con músicos de la talla de Patti Austin, Brenda Rusell, Art Garfunkel o David Sanborn y sus temas han sido grabados por gente del nivel de The Manhattan Transfer, Patti Labelle, Carmen McRae o The Carpenters, por citar unos pocos. Franks creció al sur de California con sus padres y sus dos hermanas pequeñas. Aunque ninguno de sus familiares tuvo relación alguna con el mundo de la música, sus padres eran unos grandes aficionados al swing y escuchaban con frecuencia a grandes del jazz como Peggy Lee, Ira Gershwin, Johnny Mercer, Nat King Cool o Irvin Berling, las primeras influencias que recibió.

Al cumplir los 14 años, Franks se compró su primera guitarra, una Marco Polo japonesa que le costó 29,95$. Incluía 6 lecciones privadas, la única formación musical que Franks iba a recibir. Ya en instituto comenzó a tocar en un grupo de rock-folk. Más tarde se iría a estudiar a la Universidad de UCLA y sería allí donde descubriría las que a la postre serían sus más grandes influencias, personificadas en músicos como Dave Brubeck, Patti Page, Stan Getz, Joao Gilberto, Miles Davis y, muy especialmente, el maestro Jobim. Además Franks conseguiría licenciarse en Literatura Contemporánea, algo que contribuiría a dar a sus letras un a menudo muy interesante contenido, lleno de referencias culturales nada habituales en las letras de otros músicos .

A finales de los años 60, Franks se tralada por un corto periodo a Canadá donde empieza a componer sus primeros temas y a trabajar con bandas como Carnival, que más tarde se convertiría en Lighthouse. De vuelta a California, Franks optiene el doctorado con la presentación de una tesis que tenía por título "Composición musical contemporánea y su influencia sobre la sociedad". Franks tenía ya muy claros cuales eran sus intereses. En esa época participa en un musical antibélico y hace sus primeras bandas sonoras para cine, hasta que en 1973 graba su primer trabajo, inicialmente llamado "Michael Franks" y que más tarde sería rebautizado con el irónico título"Previously Unavailable", una muestra más del ácido humor de este músico californiano. Era un disco con carácter marcadamente folk que nada tendría que ver con sus futuras propuestas.

Fue en el año 1976 cuando grabó su segundo LP. Producido para Warner Bross por el gran Tommy Lipuma, "The Art of Tea" contenía grandes temas como "Eggplant", "Sant Elmo's Fire" o el sarcástico "Sometimes I Just Forget to Smile", además de grandes clásicos del cantautor, como "Popsicle Toes" o "Monkey See, Monkey Do" e incluía en su nómina a músicos de la talla de Michael Brecker, Dave Sanborn o Wilton Felder (de Crusaders). Esa será una constante en su obra ya que por sus trabajos pasarán la práctica totalidad de los mejores músicos de la época

Desde entonces hasta su último "Rendezvous in Rio" del año 2006, nada menos 15 discos firmados por Franks (sin incluir recopilaciones ni directos), algunos tan brillantes como "Sleeping Gypsy" (1977), "Tiger in the Rain"(1979), "Abandoned Garden" (1995) o el que representó su mayor éxito comercial "Passionfruit" grabado en el año 1983. Hoy, no obstante, nos vamos a centrar en su quinto trabajo, una de sus obras con más sabor brasileño, al mencionado "Tiger in the Rain".

Sencilla y gratificante interpretación de este precioso Tiger in the Rain.

Grabado en noviembre de 1978 y publicado al año siguiente, "Tiger in the Rain" combina de nuevo los elementos más característicos de la música de Franks, algo de jazz, gotitas de folk y sobretodo y especialmente en este caso, ritmos inspirados en su adorada música de Brasil. La nómina de músicos que intervienen en la grabación vuelve a ser extraordinaria. Aparecen en alguno de los 9 cortes (todos ellos compuestos por Franks, otra marca de la casa) artistas del nivel de Kenny Barron, Crusher Bennett, Joe Caro, Ron Carter, Dave Liebman, Mike Mainieri (ajustadísimo su sólo de vibráfono en Sanpaku), Dave Sanborn, Claudio Roditi, Lou Soloff, Buddy Williams, George Young (precioso su sólo de saxo tenor en "Underneath the Apple Tree") o La Reina Flora Purim, cuya participación es más conceptual que efectiva. Producido por John Simon, este es un larga duración maduro en el cual Franks encuentra definitivamente el lugar que quiere ocupar, senda que ya había iniciado en su previo y excelente "Sleepin' Gypsy" y que aquí consolida con inspiradas composiciones como "Tiger in the Rain", "Underneath the Apple Tree", "Sanpaku" o la bossa nova "Jardin Botanico", una explícita declaración de amor a Brasil y a su querido Jobim , dos pasiones que compartimos con Franks todos y cada uno de los gatitos musicalmente inquietos de este cálido tejado.

Down in Brazil, incluída en el delicioso Sleeping Gypsy, el album de Franks que apareció en el mercado justo antes del disco que os presentamos hoy. Tokio 1991.

Esperamos que os guste.

Encontraréis link en comentarios. Click Read More.

TRACKS

1-Sanpaku Franks
2-When It's Over Franks
3-Living on the Inside Franks
4-Hideaway Franks
5-Jardin Botanico Franks
6-Underneath the Apple Tree Franks
7-Tiger in the Rain Franks
8-Satisfaction Guaranteed Franks
9-Lifeline Franks

CREDITS

Michael Franks Banjo, Guitar, Mandolin, Vocals
John Simon Percussion, Arranger, Producer Kenny Barron Piano Rubens Bassini Percussion Crusher Bennett Conga
Randy Brecker, Lew Del Gatto,Lou Marini, John Clark, Tom "Bones" Malone, Claudio Roditi Horns Herb Bushler Bass Joe Caro Guitar (Acoustic), Guitar (Electric) Ron Carter Bass, Bass (Acoustic) Harold Coletta Strings, Viola
Dominic Cortese Percussion, Concertina Paul Griffin Organ Hilda Harris Vocals (bckgr) Bob Leinbach Organ David Liebman, Howard Leshaw Flutes
Charles Libove Strings, Violin Harry Lookofsky Violin, Concert Master
Bucky Pizzarelli Guitar (Acoustic), Guitar (Electric) Mike Mainieri Vocals (bckgr), Vibraphone Rick Marotta Drums Richard Maximoff, Alan Shulman, Charles McCracken, Lewis Eley, Anthony Posk,Guy Lumia,Joseph Malin, Richard Sortomme, Harry Urbont, Emanuel Vardi, Jesse Levy Strings Seldon Powell Sax (Soprano), Sax (Tenor) Flora Purim Vocals (bckgr) Ben Riley Drums David Sanborn Alto, Horn Lew Soloff Piccolo Trumpet Maretha Stewart Vocals (bckgr) Abdul Wadud Cello Buddy Williams Drums George Young Flute, Horn, Sax (Tenor)

Jazzy

"City Tribes" (1995) de Charles Fambrough. Todos los gatos recordamos a Broski.

2012-01-01T09:58:00.010+01:00

Hoy hace exactamente un año, el pasado 1 de enero de 2011 fallecía el bajista Charles Fambrough en su casa de Allentown, víctima de un ataque al corazón. La salud de Charles era precaria desde hacía ya algún tiempo, cosa que le había obligado a alejarse de escenarios y estudios. Desde aquí hemos querido recordar al que creémos es uno de los bajistas más importantes del jazz reciente. Preciso, discreto, elegante y muy oportuno, así era el toque de bajo de este enorme músico. Compruébalo descargando uno de sus mejores trabajos. Descanse en paz Charles Fambrough.

Charles Fambrough , conocido en el ambiente del jazz con el sobrenombre Broski, fue un bajista y compositor nacido el 25 de agosto del año 1950 en Philadelphia, influenciado por la música de algunos grandes del jazz como Art Blakey, McCoy Tyner, Herbie Hancock y Wayne Shorter, así como por los ritmos latinos, brasileños y afrocubanos.Originalmente estudió piano clásico, pero a los 13 años se interesó por el bajo, que fue su instrumento definitivo.

En 1968 comienza a tocar con grupos locales de su Philadelphia natal. Dos años después, en 1970, le llegará la oportunidad de su vida. Grover Washington, Jr. le pide que se una a su banda. Fambrough acompañará a Grover hasta el año 1974, participando en algunos de sus primeros trabajos.

Después de esa experiencia se incorpora al grupo del percusionista brasileño Airto Moreira, quien le enseña a tocar el berimbau. Posiblemente en este momento nace el gusto de Fambrough por los ritmos de Brasil, que estarán presentes en gran parte de las grabaciones que hará como lider de su propio grupo en el futuro. En el 78 empieza su andadura con el pianista McCoy Tyner que se prolongará hasta el año 80, momento en el cual se incorpora a los Jazz Messengers de Art Blakey con quienes obtiene el mayor reconocimiento hasta la fecha.

Tras abandonar la banda de Blackey continua ofreciendo sus servicios como músico de estudio, participando en grabaciones de gente tan conocida como los hermanos Wynton y Branford Marsalis, Roy Hargrove, Kenny Kirkland, Jerry González, Steve Turre, Donald Harrison, Kenny Garrett, Abdullah Ibrahim y, de nuevo, su amigo Grover Washington, Jr.

Charles Fambrough, Donald Harrison, Steve Turre, Joe Ford, Bill O'Connell, Bobby Broom, Ricky Sebastian y Steve Berrios, una banda de ensueño. Extraemos el corte del Laser Disc, Blues at Bradleys, rodado y grabado en el año 1993. El tema se llama Better Days Are Coming.

En 1991 graba su primer larga duración como bandleader, el magnífico "The Proper Angle". Dos trabajos más, "The Charmer" (1992) y "Keeper of the Spirit" (1993) cerraran su etapa en la discográfica CTI. Desde entonces Fambrough ha editado tres discos, siempre con pequeñas discográficas aunque todos con su habitual toque de distinción; la calidad y la elegancia. Uno de ellos es el trabajo que hemos decidido compartir hoy, para nosotros una de las perlas de la discografía del bajista de Philadelphia, "City Tribes" (1995).

En este magnífico corte vemos a Fambrough junto a Eugene Maslov, Ron Blake, Sean Jones y Wilby Fletche. El video tiene 3 partes y en todas ellas queda patente la maestría de Fambrough con el contrabajo. Aquí os entrego una. Podéis encontrar el resto en Youtube.

Fambrough siempre se rodeó de excelentes músicos y "City Tribes" no es ninguna excepción a este respecto ya que incluía al entonces joven saxofonista de Aukland, Craig Handy; al trompetista John Swana; Ricky Sebastian, Marlon Simon y Café a la percusión, además del flautista Dave Valentin como invitado especial y Bill O'Connell, un veterano pianista curtido en mil batallas con artistas del nivel de Flora Purim, Airto Moreira o Gato Barbieri y sin duda , junto a Fambrough, uno de los músicos americanos que mejor entiende el toque latino. El resultado de la conjunción es una extraordinaria grabación influenciada por la música de Brasil y por el jazz a partes iguales, una receta que sabiamente aplicada acostumbra a producir resultados extraordinarios y que en esta ocasión no decepciona a nadie. 5 temas originales de Fambrough de entre los que destaca el precioso "Add a Lesson", dos bonitas propuestas de O'Connell (extraordinaria Alligators, uno de los temas que más han sonado en el tejado este pasado año), un original de Swana, el trompetista de la banda, más una brillante composición del genial Wayne Shorter, "Dolores", completan una de las más interesantes grabaciones que hemos podido escuchar en los últimos tiempos y que os recomendamos de forma muy especial.

Desgraciadamente para todos los buenos seguidores de la música hoy hace exactamente un año , el primer día del extinto 2011, Fambrough sufrió un ataque al corazón que acabó con su vida. Su salud era precaria desde hacía ya algún tiempo. Sus colegas de profesión intentaron ayudarle ofreciendo diversos conciertos benéficos en el area de Philadelphia con la intención de recoger fondos que sirvieran para afrontar las facturas que se derivaban del tratamiento de su enfermedad. Lamentablemente nada de ello fue suficiente. Nos había dejado uno de los bajistas más interesantes y desconocidos del jazz internacional.

Descanse en paz Charles Fambrough.

Encontraréis link en comentarios.

Discografía completa como lider de Charles Fambrough

1991 "The Proper Angle" CTI Records (Creed Taylor, Inc.)
1992 "The Charmer" CTI Records (Creed Taylor, Inc.)
1993 "Blues at Bradleys Live" CTI Records (Creed Taylor, Inc.)
1995 "Keeper of the Spirit" Records Audioquest
1995 "City Tribes" Evidencia
1997 "Upright Citizen" Records NuGroove
2002 "Charles Fambrough Live at Zanzibar Blue" Random Chance

TRACKS

1-Canto de Guebra DaSilva, Fambrough
2-The Hunt Fambrough
3-Add a Lesson Fambrough
4-Dolores Shorter
5-Alligators OConnell
6-Irish Lullaby OConnell
7-Laura Marie Swana
8-Past Time Fambrough
9-City Tribes Fambrough

CREDITS

Charles Fambrough Bass (Electric), Producer, Bass (Acoustic)
Bill O'Connell Keyboards
Craig Handy Clarinet (Bass), Sax (Soprano), Sax (Tenor)
Café Percussion, Conga, Timbales, Berimbau, Tympani [Timpani]
Ricky Sebastian Percussion, Drums
Marlon Simon Percussion, Conga, Timbales, Vocals, Tympani [Timpani]
John Swana Trumpet
Dave Valentin Flute

Jazzy

Box: Cat's Party vol. 2. Música para bailar con las orejas bien destapadas.

2011-12-31T07:13:00.006+01:00

Ayer, despúes de varios días de duro trabajo, se nos ocurrió que debíamos publicar una selección de temas bailables con la sana intención de que todos los gatos la pudiérais aprovechar de cara a vuestras fiestas y celebraciones navideñas. Como nos sentíamos algo cansados optamos por la ley del mínimo esfuerzo y decidimos republicar una box que ya os entregamos el año pasado por estas mismas fechas y que titulamos Cat's Party. Al rato de publicarla recibimos un mensaje de nuestro amigo Néstor que con mucha simpatía nos comentó que al descargarla se había percatado de que era la misma del año anterior y nos decía en tono de broma que llevaba un año esperando la segunda parte de Cat's Party. La verdad es que, aunque somos conscientes de que es un comentario en tono de broma, nos hizo ilusión que se acordara de nuestra box y pensamos que lo mejor que podíamos hacer era elaborar una segunda entrega, hecha de nuevo con la intención de contribuir a vuestras fiestas gatunas.

En esta segunda entrega, Cat's Party vol 2, podréis escuchar una variada selección que de nuevo ahonda en el universo musical que queremos dibujar en esta página. Jazz, mucho funk, latin jazz, soul y aromas brasileños, todo junto, en una animada compilación que hará las delicias de todos los habitantes del tejado. Ed Motta, George Duke, Bobby Broom, Al Jarreau, Eumir Deodato, John Handy, Inner Shade, Stevie Wonder, Patato Valdés, Jamiroquai, Flora Purim, Grover Washington Jr., Frank McComb, Matt Bianco, Paquito D'Rivera, Paul Jackson Jr., James Ingram, Phil Fearon, Djavan,.., Quién da más????

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-Magica de um Charlatao. Tema que abre As Segundas Intençoes de Manual Pratico, un trabajo editado por el brasileño Ed Motta que era la continuación del extraordinario Manual Pratico de Festas, Bailes E Afins vol. 1. Sinceramente, se me ocurren pocas maneras mejores de comenzar una fiesta.

Otra propuesta de Motta, Colombina, desde su directo Em DVD.

2-Brazilian Love Affair. En la anterior box incluíamos un tema de este mismo trabajo del teclista George Duke. En esta ocasión nos hemos decidido por la composición que da título a la grabación original del año 1979 y que ya fue integramente publicada en el tejado hace algunos meses.

Versión de Brazilian Love Affair realizada junto a la vocalista argentina Gabriela Anders en el festival de Montreux del año 99.

3-Clean Sweep. Bensoniano tema que nos propone el guitarrista Bobby Broom desde su primera grabación, Clean Sweep, editada en el año 1981.

4-Double Face. Tema que demuestra que los músicos veteranos pueden hacernos bailar en cuantos se lo propongan. Eumir Deodato y Al Jarreau nos entregan esta brillante corte incluído en el último disco del teclista brasileño, The Crossing (2010).

5-Operator. Una desconocida banda, los ingleses Inner Shade, nos regalan este animado tema que nos habla de las tribulaciones de los músicos cuando están en gira y sus esfuerzos para ponerse en contacto con sus familias. Desde Four Corners (1998).

6-Right There, Right There. Graciosísimo tema lleno de funk y soul, compuesto por el saxofonista John Handy. Lo extraemos de Where Go The Boats editado en el año 1978.

7-Summer Soft. Brillante tema del genio Stevie Wonder incluído en uno de los trabajos más importantes de los últimos 40 años, Songs In The Key of Life.

8-Cute. Nos acercamos a territorios latinos con este tema que es en realidad una pieza de jazz compuesta en los años 30 para la orquesta de Count Basie. Patato Valdés, Jorge Dalto y Michel Camilo metieron en ella muchas ideas y la convirtieron en una potente pieza que se adentra en terrenos latin y que a nosotros nos encanta. Incluída en el venerable Patato Masterpiece, editado por Messidor en el año 1993.

9-Stillness in Time. Brillante composición incluída en uno de los mejores trabajos de la banda inglesa Jamiroquai, The Return of The Space Cowboy (1995).

10-Be Mine (Tonight). Divertido tema de Grover Washington Jr. que suele aparecer en las fiestas gatunas desde hace bastantes años. Incluído en el bonito Come Mornin' editado por Grover en el año 1981.

11-Golden Lady. Tema de Wonder interpretado aquí por el genial vocalista y teclista Frank McComb. Lo extraemos de The Truth vol. 2, un trabajo que nos envió nuestro seguidor kanguro (muchas gracias!!!!) hace algunos días y que nos ha parecido oportuno incluir en esta selección.

Otro bonito corte de McComb, en este caso con su memorable y muy Wonderiana, Left Alone. Atención al bateria, absolutamente espectacular.

12-Angels. La vocalista brasileña Flora Purim nos regala este bonito tema, ideal para contonearse suavemente. Incluído en su delicioson Npthin' Will Be As It Was... Tomorrow grabado en el año 1976.

13-Half A Minute. Graciosa composición de la banda británica Matt Bianco incluída en su disco de presentación Whose Side Are You On? editado en el año 1984. Matt Bianco mezclaban pop con elementos latinos y brasileños obteniendo como resultado una música que lleno las pistas de baile a mediados de los 80s. La verdad es que nos pareció un éxito justo. Música para divertirse en estado puro, con su punto hortera incluído. Os recomendamos visionéis también la versión de Dancing in the Street que aparecerá en los videos relacionados, justo al final del clip de Half A Minute que os ofrecemos a continuación.

14-Manteca. De nuevo pisamos territorios latin con este enorme clásico que nos viene de la mano del genial saxofonista cubano Paquito D'Rivera. Quizás la mejor versión de Manteca que un servidor haya oído jamás. Se aceptan otras opciones.

15-It's a Shame. Otro tema de Wonder, en este caso interpretado por el guitarrista Paul Jackson Jr. uno de los más solicitados músicos de sesión de los últimos 30 años.

16-It's Magic. Uno de los temas más funky del pianista argentino Jorge Dalto. Sabéis los que nos seguís que nos encanta hablar de Jorge Dalto y es por ello que nos ha parecido oportuna la introducción de este simpático tema cantado por la que fuera su mujer, la vocalista Adela Dalto.

17-One More Rhythm. Otra divertida composición, en este caso de la mano del vocalista de funk y soul James Ingram. La verdad es que no solemos escuchar mucho a Ingram pero este tema nos lleva aompañando ya unas cuantas décadas, especialmente en momentos en los que estamos de buen humor. Incluído en It's Your Night (1983).

18-Roof Garden. Versión en directo de uno de los temas más netamente funkys del vocalista de Milwakee, Al Jarreau. Incluído en Live In London, editado en 1985.

19-Whay Do I Do? . Otro divertido tema, en este caso del vocalista y productor inglés Phil Fearon. Ideal para una fiesta.

20-Minha Irma. Cerramos con esta corta composición del músico brasileño Djavan. Poco más de 2 minutos pero muy difíciles de olvidar. La extraemos de Luz, uno de los grandes trabajos de Djavan, editado en el año 1982.

Jazzy

Box: Cat's Party. Música para bailar con las orejas bien destapadas.

2011-12-30T16:46:00.001+01:00

Aprovechando que han llegado las fiestas de Navidad, ese solidario periodo del año donde los gastos se multiplican, las temperaturas bajan, los comercios se ponen las botas vendiendo productos que dentro de un mes serán pasto de las rebajas, la loteria nos ludopatiza y los Reyes Magos y Papa Noel se ponen de acuerdo para exprimirnos, hemos creído oportuno compartir con vosotros una selección que incluye 17 temas habituales en nuestras fiestas gatunas. La verdad es que el clima en el tejado es duro a estas alturas del año y algo nos tenemos que inventar para entrar en calor. Nada mejor que una colección de canciones de aquellas que permiten a uno moverse sin tener que soportar la estridencia de los temas de moda de ahora y siempre.

Si te gusta bailar la música de Lady GaGa, Madonna o La Oreja de Van Gogh es más que probable que este no sea tu espacio. Un error fatídico del buscador te ha enviado a un lugar nada oportuno, frecuentado por librepensadores musicales y que no deja lugar a simples fenómenos mediáticos con escasa capacidad creativa. Pero si por el contrario te interesa el jazz, latin, el funk, los ritmos brasileños o, simplemente, la buena música acabas de aterrizar en el lugar más adecuado. Compruébalo con esta Box en la que encontrarás muy pocos éxitos comerciales, pero que sin duda está repleta de muy buena música.

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-In the Stone. No se me ocurre un tema mejor para iniciar una fiesta que esta composición de Maurice White. Si te gusta el buen funk (no nos referimos a Kool and the Gang ni a Boney M., por supuesto) disfrutarás de lo lindo con esta impresionante demostración de los míticos Earth, Wind & Fire. Extraemos el tema de uno de sus mejores trabajos, I Am, editado en el año 1979 y que podéis encontrar completo en Música para Gatos.

2-Girl Talk. Greg Phillinganes, un teclista muy influenciado por la música de Stevie Wonder (y quien no...), nos ofrece aquí una movidita versión de uno de los clásicos de su idolo. La sacamos de uno de sus pocos trabajos en solitario, el divertido Significant Gains (1981). Podéis encontrar el disco completo en Música para Gatos.

3-Can't Stop. La cantante Conya Doss nos ofrece un bonito tema puramente funk. Algunos críticos dirían que esto es acid y otros smooth. Como ya nos hemos perdido hemos decidido que esta era una canción de aquellas que te permiten contonearte, cerrar los ojos e imaginar que estás un un lugar (y en un mundo) mejor. No esta mal para pasar los 4 min 17 seg que dura. Lo extraemos de Still, editado en el año 2009.

4-Jeep Jazz. El compositor y pianista Bob Baldwin nos regala otro tema que sigue la linea del anterior. Agradable, bien arreglado y divertido. Desde New Urban Jazz.com editado en el año 2008.

5-Window Seat. Seguimos instaurados en las corrientes más modernas del jazz con este tema de la vocalista tejana Erykah Badu, precisamente el que causó hace pocos meses un gran escándalo porque en el videoclip de promoción Mrs. Badu se iba desnudando a medida que iba avanzando por las abarrotadas calles de Dallas hasta que llegaba al lugar donde fue asesinado el presidente Kennedy donde caía abatida por un disparo. Escribimos un post a este respecto que si te apetece puedes recuperar pinchando aqui. Extraemos el tema de New Amerykah Part Two (Return Of The Ankh) editado por Badu este mismo año. El video que aquí adjuntamos es el que decidieron mantener tras la polémica y curiosamente es exactamente el mismo pero reproducido al revés. De esta forma en lugar de desnudarse Mrs. Badu se va vistiendo. Problema solucionado.

6-Isn't She Lovely. Volvemos a los clásicos de la mano de este genial tema de Stevie Wonder, probablemente el único éxito real de entre todos los seleccionados en el presente box. Lo sacamos de uno de los grandes discos de los últimos 40 años, Songs in the Key of Life, el mítico doble de Wonder publicado en el año 1976.

7-Ni pa ti ni pa mi. Nos acercamos a la onda más latina con este vibrante tema que nos ofrece el saxofonista Bobby Martinez. Maravilloso tumbao para los amantes del latin. Desde Latin Elation I (2005). Podéis encontrar el disco completo en Música para Gatos.

8-Sexta-Feira Carioca. Más funk pero en estado ocasión vestido de ritmos brasileños. Una divertida composición de la Banda Black Rio que extraemos de su Rebirth (2003).

9-Midnight at the Oasis. Uno de los grupos pioneros en el nacimiento del denominado Acid Jazz fueron los británicos Brand New Heavies. Aqui nos ofrecen una tema original del norteamericano David Nichtern compuesto para la cantante de folk Maria Muldaur. La sacamos de Brother Sister editado en el año 1994.

10-Nikkis Groove. Marcus Miller nos acerca esta propuesta netamente funk. Un tema muy original que estamos seguros que te va a gustar, especialmente si disfrutas con el increíble toque de Miller, uno de los más grandes bajistas de los últimos 40 años. La extraemos de su multipremiado M2 (2001).

11-Everyday. Más funk de la mano de otro grupo británico, Incognito, otro de los pioneros en esto que llaman acid jazz. El tema esta contenido en uno de sus mejores trabajos, 100 Degrees and Rising editado en el año 1995. Diversión en estado puro.

12-Maracangalha. Vovemos a los ritmos más brasileño-funks de la mano del guitarrista, pianista, compositor y cantante Filó Machado con esta potente versión de un tema original de Dorival Caymmi, una de los músicos más influyentes del Brasil clásico. La sacamos de Porto Seguro (2001), una impresionante demostración de ritmo y creatividad que paso desapercibida y que siempre nos gusta recordar desde aquí. Encontrarás Porto Seguro completo en Música para Gatos.

13-On Green Dolphin Street. Paquito D'Rivera nos regala una de las más alucinantes versiones del clásico de Washington y Kaper. Desde luego no es música de baile al uso pero si estás por aquí es que probablemente te guste el latin y si eso es así estamos seguros de que pasarás un buen rato. Extraída del primer trabajo americano de D'Rivera, Blowin' editado en el año 1981 y que puedes encontrar en Música para gatos.

14-Claro Que Si. Arriesgamos con la introducción de este psicotrópico tema del percusionista Manolo Badrena, una extraña mezcla de latin, funk y fusion extraída de uno de los experimentos musicales más interesantes de la década de los 70s, Manolo (1978), el único trabajo en solitario grabado por el percusionista de gente tan interesante como Weather Report o Spyro Gyra.

15-Mind Trick. Otro ejemplo de la mejor música de baile es este gracioso tema del pianista británico Jamie Cullum. Una sencilla pero muy efectiva composición incluída en su Catching Tales (2005).

16-Mr. Moon. Otro de los grandes grupos británicos de acid jazz aparecidos en la década de los 90s, Jamiroquai, nos ofrece está vibrante composición que combina muchas y variadas influencias, especialmente del jazz de los años 70s. La sacamos del primer trabajo del grupo liderado por J.K., The Return of the Space Cowboy editado en el año 1995.

17-Up From The Sea It Arose & Ate Rio In Swift Bite. Cerramos con esta potente composición extraída del que en nuestra opinión es el mejor trabajo del teclista George Duke, nada menos que A Brazilian Love Affair (1979). Una de las más perfectas y salvajes combinaciones de funk y ritmos brasileños que un servidor haya oido jamás. Podéis encontrar el disco completo en Música para Gatos.

Jazzy

"Free & Easy" (1982) del guitarrista y bajista de Chicago, Phil Upchurch.

2011-12-29T16:52:00.004+01:00

Un día de 1962, tras un concierto que George Benson había ofrecido en Washington con su amigo, el organista Jack McDuff, se le acercó un joven guitarrista que estaba tocando en el mismo local con Dee Clark y le dijo con descarada simpatia, "Tio, acabas de tocar "You Can't Sit Down" incluso mejor de lo que lo hubiera hecho yo". Benson, sorprendido le miró y le dijo, "Y tú quién eres?" . El joven le respondió "Me llamo Phil Upchurch". La anécdota describe a la perfección la arrolladora personalidad de este veterano guitarrista y bajista nacido en Chicago el día 19 de julio de 1941.

De hecho Phil Upchurch ha sido una figura prominente en los círculos de música de su Chicago natal desde mediados de los años 50. Comenzó como sesionista con músicos como Jerry Butler antes de convertirse en el guitarrista oficial de la discográfica Chess. La forma de tocar de Upchurch es delicada, llena de complejos punteos y también de riffs repletos de funky, cosa que le convirtió en un asiduo en el lanzamiento de nuevos artistas como The Dells, Gene Chandler o Muddy Waters. Además, en esa época solía asociarse de forma habitual con con el baterista Maurice White, quien poco más tarde crearía una de las formaciones más éxitosas de todos los tiempos, los Earth, Wind & Fire.

En los años 60 fundó el Phil Upchurch Combo que obtuvo un gran éxito con el tema instrumental "You Can't Sit Down" en 1961. Sus grabaciones posteriores nunca llegarían a igualar la enorme repercusión de ese tema y la banda se disolvió poco después. Upchurch retomó su antiguo trabajo de sesionista, participando en algunas grandes grabaciones de soul-jazz y funk para sellos como Sue y Cadet.

A principios de los 70s se interesó por el recién nacido fusion, participando en la banda del pianista Joe Sample, Crusaders y en el grupo de Ben Sidran. Llegarían también algunos interesantes trabajos como lider entre los cuales nos apetece citar especialmente The Way I Feel (1970), junto a Donny Hathaway, y Upchurch/Tennyson (1975), junto al pianista y vocalista Tennyson Stephens además de Bob James, Steve Gadd y David Sanborn. Pero quizás sus dos trabajos producidos por Tommy Lipuma en 1971 y 1973, "Darkness, Darkness" y "Love Feelin'", serían los que le abrirían las puertas para su ingreso en la banda del guitarrista George Benson, con quien colaboraria en algunos de sus mejores trabajos, incluyendo Bad Benson (1974), Breezin' (1976), Livin' Inside Your Love (1977) y el directo Weekend in L.A. (1978). La enorme exposición que le dieron estos trabajos le convirtieron en uno de los más prolíficos músicos de sesión, participando en grabaciones de prácticamente todos los miembros de la banda de Benson de finales de los 70s, incluyendo a Harvey Mason, Ronnie Foster y Jorge Dalto. Upchurch se hizo aún más popular tras sus colaboraciones con un joven cantante al que había conocido unos años antes y que estaba iniciando una prometedora carrera, Michael Jackson, quien le incluyó en uno de sus mejores trabajos, Off the Wall, el disco que precede a Thriller, probablemente el larga duración que convirtió a Jackson en el rey del pop.

Pero a pesar de todo ello, Phil Upchurch aún tuvo tiempo para grabar sus propios discos y tras un receso de 4 años, en 1982 apareció en el mercado Free & Easy, el trabajo que hemos decidido acercar hoy al tejado.

"Free & Easy" es una magnífica demostración de buena música, para nosotros uno de los mejores trabajos del guitarrista de Chicago.
El disco se mueve con soltura entre el jazz y el buen fusion, con algunas gotitas de funk, soul y blues sabiamente dispuestas que acentúan la brillantez del resultado.

Tan sólo un original de Upchurch, el delicioso Midnight Blue. El resto combina clásicos como el extraordinario y dificilísimo, Moment's Notice de Coltrane, que la banda resuelve con extraordinaria solvencia consiguiendo una de sus mejores y más complejas versiones o la preciosa Reunion, compuesta para la ocasión por el teclista Rusell Ferrante, quien unos meses antes acababa de grabar el primer trabajo de una banda que, con los años, se iba a convertir en leyenda, The Yellowjackets.
Creémos oportuno destacar también la delicadísima replica de She's Out of my Life, un tema de Bahler popularizado tres años antes por Michael Jackson, quien lo había incluído en su Off the Wall, con Upchurch en su formación.

Upchurch junto al organista Jimmy Smith nos ofrecen la bluessera Midnight Special.

Esperamos que os guste.

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CREDITS

1-Free and Easy Chinn, Speights
2-Groovin' Slow Bryant, Edwards
3-People Make the World Go Round Bell, Creed
4-Midnite Blue Upchurch
5-Reunion Ferrante
6-Moment Notice Coltrane
7-She's Out of My Life Bahler

CREDITS
Phil Upchurch guitar, bass
Eddie Harris Tenor Sax
Russell Ferrante Keys
Harvey Mason Drums
Ephrain Toro Percussion
Sylvia Cox Vocals on Groovin' Slow

Jazzy

"Open Our Eyes" (1974), el primer gran éxito de la superbanda de funk, Earth, Wind & Fire.

2011-12-24T07:52:00.007+01:00

Earth, Wind & Fire es, para nosotros, la más grande banda de funk. Fundados a principio de los años 70, su sonido perfecto, su trepidante ritmo y el respeto que le profesó la crítica, la convirtieron además en una de las agrupaciones musicales más exitosas de la historia.
Earth, Wind & Fire era una fusión única de estilos en la que confluían su esencia funk con elementos de otros ritmos como el jazz, soul, gospel, pop, blues, música africana y latina y algunas pinceladas de rock, todo ello sumado a la riqueza musical de la voces de Philip Bailey y Maurice White, con la cual la banda era capaz de sonar como el mejor de los grupos de la legendaria Motown.
Earth, Wind & Fire aunaban la intensidad de James Brown con la capacidad para la improvisación de cualquiera de los grandes grupos de jazz fusion que en esos momentos triunfaban, como Weather Repor o Return to Forever, por poner un par de ejemplos. Además, sus presentaciones en el escenario eran realmente explosivas. Su lider, Maurice White, empezó en la música a inicios de los sesenta como bateria de sesión en la discográfica Chess Records, tocando para artistas como Fontella Bass, Billy Stewart o Etta James. Más tarde, en 1967, se unió al Ramsey Lewis Trio donde apredió a tocar la kalimba, un piano africano que luego usaría a lo largo de toda su carrera.
En 1969, White deja el grupo de Lewis y se une al teclista Don Whitehead y al cantante Wade Flemons con la intención de dedicarse a componer para otros artistas. Sin embargo, acabaron convirtiéndose en un grupo llamado “Salty Peppers” y firmaron un contrato con Capitol Records que les permitió colocar un sencillo llamado “La La Time” y que se convirtió en un éxito en la región de Chicago. Cuando la siguiente canción salió a la venta, White decidió mudarse a Los Ángeles, se llevó a casi todo el grupo con él y lo rebautizó como Earth, Wind and Fire, inspirado en los tres elementos que están en su carta astral. Acababa de nacer una banda absolutamente mítica.

En 1970 White logró convencer a su hermano, el bajista Verdine White para reunirse con el grupo en Los Ángeles. En ese momento la formación incluía a la cantante Sherry Scott, al guitarrista Michael Beal, al saxofonista Chet Washington, Alex Thomas en los tambores y Yackov Ben Israel en la percusión, además de los originales Whitehead y Flemons. El grupo firmó un acuerdo con Warner Brothers y a finales de 1970 lanzó su primer álbum el autodenominado "Earth, Wind & Fire". La recepción de la crítica fue cauta y positiva. Igual respuesta obtuvo su segundo LP, “The Need of Love”. Sin embargo, en lo comercial los discos no acababan de despegar a pesar de la cantidad de gente que los seguía , especialmente en las universidades. Con la crítica a su favor, pero con las ventas en terreno áspero White decidió desmantelar la primera versión de Earth, Wind & Fire en el año 1972. Junto a su hermano Verdine rearmó el grupo esta vez con la vocalista Jessica Cleaves, Ronnie Laws en el saxo, Roland Bautista en la guitarra, Larry Dunn en teclados y Ralph Johnston en la percusión. Pero la incorporación más trascendente fue la del cantante Philip Bailey. Al final del 72 Laws y Bautista abandonaron E,W&F y en su lugar entraron Andrew Woolfolk y los guitarristas Al McKay y Johnny Graham. Ahora Earth, Wind & Fire estaba completo y listos para empezar su brillante carrera.

"Reasons", incluído en el larga duración That's the Way of the World. La voz es, como no, de Phillip Bailey.

En 1973 pusieron a la venta “Head to the Sky” que si bien no fue un éxito incontestable, ayudó a agrandar la base de seguidores del grupo. El siguiente larga duración “Open Your Eyes” se editó en marzo de 1974 y es el disco que hemos decidido compartir hoy con vosotros.

Resultado de la colaboración con el productor Charles Stepney, el vinilo tenía un estilo musical más claro y directo que sus predecesores. Además “Mighty Mighty”, extraído de ese LP, se convirtió en el primer Top Ten en las listas que lograría la banda, a pesar de que las emisoras de la época no le hicieran demasiado caso. Su problema en ese momento era que el tema contenía explícitas reivindicaciones en pro de la causa de la raza negra, una cuestión aún muy espinosa en la norteamérica de principios de los 70s. Pero supieron sobreponerse y el álbum se convirtió en disco de oro y fue su primer éxito incontestable y lo cierto es que es uno de los grandes éxitos más justos que recordamos ya que contenía algunas perlas indiscutibles entre las cuales nos apetece mucho mencionar las preciosas Feelin' Blue y Caribou, y la impresionante Spasmodic Movements en la cual nos dejan muy clarito que son algo más que una buena banda de funk, abordándo sin problemas unos arreglos más propios de una formación de jazz.

Si eras adolescente a finales de los 70s estamos seguros que recordarás este video de 1979. Entonces Earth, Wind & Fire ya se había convertido en una de las bandas más populares del momento.

Open Our Eyes fue un disco decisivo para Earth, Wind & Fire ya que fue el trabajo que abonó el terreno para que un año después, en 1975 , la formación arrancara definitivamente. En esa fecha el grupo recibió el encargó de componer la banda sonora de la película “That’s the Way of the World”. White, listo como pocos, tuvo claro desde el primer momento que la película no funcionaría y, con buen criterio, decidió lanzar el disco antes de su estreno. El film fue efectivamente un tremendo fracaso, pero el larga duración despegó impulsado por el tema “Shining Star” que alcanzó el número uno en las listas de R&B y pop, y que además les proporcionó un Grammy. El álbum también coronó ambas listas y vendió hasta convertirse en doble platino. El resto ya es leyenda.

"That's the Way of the World", otro de los grandes éxitos de la que para nosotros es la mejor banda de funk de la historia de la música.

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-Mighty Mighty Maurice White, Verdine White
2-Devotion Maurice White, Philip Bailey
3-Fair But So Uncool Stephney, Giles
4-Feelin' Blue Altman
5-Kalimba Story Maurice White, Verdine White
6-Drum Song Maurice White
7-Tee Nine Chee Bit M. White, Stephney, Bailey
8-Spasmodic Movements Harris
9-Caribou Stephney, Giles
10-Open Our Eyes Lumkins

CREDITS

Maurice White Vocals, Drums, Kalimba, Composer
Verdine White Vocals, Bass, Percussion
Larry Dunn Piano, Organ, Moog
Ralph Johnson Drums, Percussion
Philip Bailey Vocals, Congas, Percussion
Al McCay Vocals, Guitar, Percussion
Andrew Woolfolk Sax, Flutes
Johnny Graham Guitar, Percussion

Jazzy

"The Gist of the Gemini" (1976) uno de los grandes trabajos del vocalista canadiense Gino Vannelli.

2011-12-22T20:12:00.004+01:00

Gino Vannelli estudió teoría de la música en la McGill University, en su Montreal natal. Su padre, Russ Vannelli, era un gran aficionado al jazz y al descubrir el talento del joven Gino y también de sus hermanos Joe y Ross, decidió traspasar su afición a sus hijos. Pensó que Gino podía ser un excelente bateria y emular a su ídolo Gene Kruppa y de hecho el aprendizaje de ese instrumento tendría una importante influencia en la música de Vannelli. Pero Gino crecía en una época en la cual los Beatles arrasaban. El joven Vannelli asistía además regularmente a los conciertos de música clásica que se daban en su entorno. Por si eso fuera poco, el jazz-rock estaba empezando a tomar forma y gente como Dave Brubeck o Miles Davis ya eran considerados auténticos fenómenos sociales.

A principios de los 70 otra nueva banda que tenía como lider a un pianista aficionado a los nuevos instrumentos sintetizados que respondía al nombre de Joseph Zawinul, Weather Report, irrumpía también en un mercado musical desbordante de creatividad. Toda esta sucesión de hechos sería decisiva en la creación del estilo Vannelli.

En aquellos momentos, los hermanos Gino y Joe intentaban sin demasiado éxito hacer una primera grabación. Un buen día, hartos del rechazo que habían sufrido por parte de todas las compañías discográficas con las que habían estado en contacto, Gino, guitarra en mano, decidió esperar al reputado productor y trompetista Herp Alpert en el parking de la discográfica A&M Records, propiedad de este. Parece ser que Alpert comprendió que Vannelli iba a tocar aunque se hundiera el mundo y asistió con una sonrisa en los labios al improvisado concierto. Cuando Vannelli dejó de tocar Alpert se acercó y le dijo "Muy bien chico, vas a grabar, y yo voy a producir tu primer disco".

Bonita versión del primer clásico de Vannelli, "Crazy Life".

En aquellos momentos Herp Alpert triunfaba con su Tijuana Brass Band y había ganado mucho dinero produciendo a Sergio Mendes & Brasil 66. Resulta pues evidente la influencia de Alpert en el primer trabajo de Vannelli, "Crazy Life" (1973), repleto de ritmos brasileños. La canción que dá título al disco, una preciosa balada con aires de bossanova, es la única pieza aún presente en el repertorio actual de Vannelli y ha sido interpretada en la mayoría de los conciertos del vocalista de Montreal. Una pena ya que el disco contiene varios excelentes temas como "Cherizar", "There's no Time" o "Fling on Mine", entre otros.

El segundo trabajo de Vannelli, "Powerful People" (1974) ya nos muestra algo más de lo que será su discografía. A parte de la exitosa "People Gotta Move", que alcanzó el puesto 22 en la lista Billboard en octubre de 1974, contiene piezas memorables, como la también popular "Felicia", pero especialmente "Powerful People", "Son of A New York Gun", "Lady", "The Work Verse", "Jack Miraculous" y "Poor Happy Jimmy", un tema compuesto en homenaje a Jim Croce, músico fallecido en un accidente de avión. Para "Powerful People", Gino y Joe Vannelli se rodearon de algunos interesantes músicos de su entorno, como el gran bateria Graham Lear, quién sería poco después reclamado por Carlos Santana para su formación. Parece ser que Santana estaba muy atento ante los trabajos de Vannelli en los primeros 70 ya que sucedió lo mismo con Richard Baker, teclista que aparecería en su siguiente trabajo, el excepcional "Storm At Sunup" editado en 1975.

Magnífico clip que nos muestra algunas imágenes inéditas de Gino Vannelli. Los dos temas que escuchamos son To The War y Carnal Question, ambos incluídos en The War Suite, la cara B de The Gist of the Gemini.

Su cuarto trabajo se llamaría The Gist of the Gemini, precisamente el disco que hemos decidido acercar hoy a nuestro tejado. La verdad es que Vannelli no lo tenía fácil. Tras tres sensacionales LP's el reto era grande y como casi siempre decidió arriesgar grabando una novedosa propuesta que se dividía en dos partes claramente diferenciadas. En la primera, la cara A del vinilo original, encontramos al Gino Vannelli que ya conocíamos. Tres temas que mezclan de forma acertada el jazz, algo de rock y un poquito de funk, a saber: Love of my Life, New Fix for 76' y Fly into this Night, este último uno de sus primeros éxitos , y dos preciosas baladas que nos permiten escuchar su excepcional habilidad como vocalista y su enorme capacidad para elaborar melodías complejas. En la cara B, Vannelli incrementa notablemente el tono épico para construir una sinfonía de indefinible clasificación musical pero de enorme calado artístico. La lamentable guerra de Vietnam acababa de finalizar y ese detalle unido al hecho de que Vannelli siempre fue un gran aficionado a la música clásica dio como resultado esta War Suite compuesta por 6 movimientos. Una obra a conmovedora, brutal y emocionante que fue, como casi siempre, literalmente masacrada por la "crítica especializada". Cierra este impresionante trabajo Summers of my Life, un tema que emocionará a todos y cada uno de los gatitos de este tejado y que podéis escuchar a continuación.

Un disco que os recomendamos de forma muy especial.

Esperamos que os guste.

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TRACKS
(All songs; Music and Lyrics by Gino Vannelli)

1-Love Of My Life
2-Ugly Man
3-A New Fix For '76
4-Omens Of Love
5-Fly Into This Night
6-Prelude To The War
7-The Battle Cry
8-To The War
9-Carnal Question
10-After The Last Battle
11-To The War (Reflection)
12-Summers Of My Life

CREDITS

Gino Vannelli Vocals, composer, arranger, lyricist, producer, acoustic piano on "Ugly Man", clavinet on "To the War" and "To the War (Reflection)"

Joe Vannelli Piano, Electric Piano, Clavinet, Synths, arranger, producer
Ross Vannelli Back Vocals Graham Lear Drums John J. Mandel Percussion, Timpani Dido Percussion Jay Graydon Electric Guitar Richard Baker Organ, Syntetized Bass, Strings and Brass The John McCarthy Choir Back Vocal on "Prelude to the War".

Jazzy

Muere a los 67 años el percusionista Ralph McDonald.

2011-12-18T18:21:00.007+01:00

El percusionista Ralph McDonald ha fallecido hoy en Connecticut a causa de un cáncer en el pulmón. McDonald, nacido el 15 de marzo de 1944 en el barrio neoyorquino de Harlem comenzó a trabajar profesionalmente en el mundo de la música a los 17 años de la mano del mítico Harry Belafonte.

Ralph McDonal fue también un compositor exitoso y de hecho es el responsable de temas tan populares como "Where Is The Love" o "Just The Two of Us", este último, probablemente, el mayor éxito del también desaparecido Grover Washington Jr.

Sus créditos incluyen centenares de grabaciones de artistas tan conocidos George Benson, David Bowie, Aretha Franklin, Art Garfunkel, Billy Joel, Quincy Jones, Carole King, Miriam Makeba, David Sanborn, Paul Simon, Steely Dan, James Taylor, Luther Vandross, Amy Winehouse o Jimmy Buffett por sólo citar unos pocos.

Hoy nos ha dejado Ralph, cerrando un pésimo año para el mundo de la música. Ayer fue Cesaria Evora y antes que ella nombres imprescindibles en el tejado como George Shearing, Charles Fambrough, Gordon Beck, Cornell Dupree, Joe Lee Wilson, Gil Scott-Heron, Nicholas Ashford (de Asford&Simpson), Amy Winehouse... definitivamente un año para olvidar.

Descanse en paz Ralph McDonald.

Jazzy

La Máquina del Tiempo. Año 1982.

2011-12-17T09:30:00.003+01:00

1982

Comienza el año con el asesinato del expresidente chileno Eduardo Frei a la par que el peruano Javier Pérez de Cuéllar asume la presidencia de la ONU. El vuelo 90 de Air Florida se estrella en una autopista y cae al rio Potomac, provocando 78 muertes.

En España comienza el juicio contra los implicados en el golpe de estado fallido del año anterior y se promulgan diversos estatutos, todo ello mientras se prepara el mundial de futbol, que ganaría Italia, y el Naranjito aparece por todas partes. Fraga es reelegido presidente del Partido Popular (y ahí sigue) y España se incorpora a la OTAN. Mientras, Alemania gana Eurovision en el Reino Unido.

El 19 de marzo fallece en un accidente aéreo Randy Rhoads, guitarrista de Ozzy Osbourne. En Guatemala se produce la terrorífica Masacre de Los Josefinos donde fueron torturadas y asesinadas 57 personas a manos de la dictadura del general Efraín Rios. Pocos meses después los mismos asesinos repetirían con la Masacre De Las Dos Herres, donde acabarían brutalmente con la vida de 400 personas más. En Costa Rica la socialdemocracia sube al poder. Un terremoto causa muertos y graves pérdidas materiales en El Salvador. Felipe González gana las elecciones a la presidencia de España como lider del Partido Socialista Obrero Español obteniendo mayoría absoluta con 202 diputados. González se mantendría en el poder hasta el año 1996.

1982 es el año del lanzamiento de Thriller de Michael Jackson y también el de la muerte de uno de los grandes, el vibrafonista Carl Tjader. Se funda la empresa Adobe. En Buenos Aires el grupo Soda Stéreo actúa por vez primera con ese nombre. Acaba el año con 7 provincias peruanas en estado de emergencia por culpa del grupo terrorista Sendero Luminoso.

En 1982 fallecen, además de los mencionados Romi Schneider, Rainer Werner Fassbinder, Henry King, Henry Fonda, Ingrid Bergman, Grace Kelly, Fernando Lamas, Jacques Tati … un pésimo año para el cine. Se estrenan Blade Runner, Gandhi, The Wall y E.T. Entra en el mercado el CD y Spectrum pone a la venta el primer ordenador doméstico.

En música aparece Eye in the Sky de Alan Parsons; Yendo de la cama al Living de Charly García; Mirage de Fleetwood Mac; Prohibido molestar a los Gatos del Gran Gato Pérez; Gonno Troppo de George Harrison; The Concerts in China de Jean Michel Jarre; 1999 de Prince; Cuando Se Come Aquí de Siniestro Total y, como no, el mencionado Thriller de Michael Jackson, el disco más vendido de la historia de la música.

Reflections of 1982: Lo que sonaba ese año.

La Selección del tejado. Año 1982.

1-T.P.'s Especial de Tito Puente
2-Tranquility de Tania Maria
3-Do I Do de Stevie Wonder
4-Claudia de Paquito D'Rivera
5-Pidgeon Toes de John Klemmer y Eddie Harris
6-Laughthing Gas de Michael Franks
7-Maxine de Donal Fagen
8-Coisa Feta de Joao Bosco
9-Parisian Thoroughfare de Jerry Gonzalez and the Fort Apache Band
10-Io Vivo Come Te de Pino Daniele
11-Sueño de Spyro Gyra
12-Upside Down (Flor de Lis) por Carl Tjader y Carmen McRae
13-Eleuthra por Emily Remler
14-Rain on Christmas de David Sanborn
15-Meu Bem, Meu Mal de Caetano Veloso
16-O Trem Azul por Elis Regina

Esperamos que os guste.

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Jazzy

"Both Worlds" (1998) de Michel Petrucciani. La última grabación original de un músico genial e inclasificable.

2011-12-16T09:31:00.003+01:00

Michel Petrucciani fue un extraordinario pianista de jazz nacido el 28 de diciembre de 1962 en Orange, Francia.
Provenía de una familía italo-francesa con un gran bagaje musical. Su padre, Tony, tocaba la guitarra, su hermano Luis era bajista y su otro hermano, Philippe, era guitarrista también. Michel nació con osteogénesis imperfecta, una enfermedad genética que provoca una excesiva frágilidad en los huesos, cosa que fue determinante en su aspecto físico y su baja estatura, que alcanzaba apenas un metro. Fue un niño frágil, a menudo afectado por dolencias pulmonares que serían, a la postre, las que le costarían la vida.

Cuando era un niño, su padre y su hermano acostumbraban a llevárselo a los conciertos que hacían, más que nada por que no podían estar lejos de él dada su absoluta dependencia física. El pequeño Michel se limitaba a mirar, escuchar y aprender.

Pronto se convirtió en un entusiasta de Duke Ellington y su única ambición desde entonces fue ser pianista como su ídolo.
Aunque se formó en el ámbito de la música clásica, siempre se mostró principalmente interesado por el jazz, dando su primer concierto como profesional a los 13 años. En este punto de su vida, era todavía bastante frágil, y tuvo que ser llevado hasta el piano. Su tamaño era tan reducido que necesitaba ayudas para alcanzar los pedales, pero sus manos eran suficientemente grandes para hacer realidad su sueño. A los 15 años tuvo la oportunidad de tocar con Kenny Clarke y Clark Terry y a los 17 ya realizó su primera grabación. Fue en 1981, con 19 años de edad, cuando apareció en el mercado su primer trabajo como leader, "Date with Me".

"Tone Poem" con su amigo Charles Lloyd (tenor sax), Cecil McBee (bass)y Jack DeJohnette (drums). Precioso.

En 1982, se mudó a los EE.UU. donde conoció a un hombre que sería clave en su carrera, el saxofonista de jazz Charles Lloyd quién le ánimo y le ayudó, cautivado por su impresionante técnica. El día 22 de febrero de 1982 lo cambiaría todo. Esa noche se estaba rodando One Night with Blue Note, una película dedicada al jazz, dirigida por John Jopson, en la que aparecían algunas de las más importantes leyendas vivas que habían desfilado por el sello Blue Note. De repente subió al escenario Charles Lloyd con Petrucciani en brazos y lo sentó en una silla ubicada delante del piano. Fue uno de los puntos álgidos de la que sería una de las más grandes noches de la historia del jazz. Jopson confesaría después que la imagen de Lloyd con Michel le conmovió hasta las lágrimas. Imaginamos que el piano de Petrucciani acabó en pocos segundos con su llanto.

Su estilo, a medio camino entre el lirismo de Bill Evans y la precisión milimétrica de Keith Jarret y, por que no decirlo, su fragilidad, cautivaron de forma inmediata al público norteamericano y su carrera despegó iniciando una trayectoria frenética de grabaciones y conciertos (casi 25 discos entre originales y directos) que se truncaría de golpe el día 6 de enero de 1999. Michel Petrucciani moría en New York por las complicaciones que se generaron tras una infección pulmonar. Tenía sólo 36 años pero había dejado una profunda huella en el mundo del jazz que ya nadie podrá borrar, ni siquiera aquellos que tanto le criticaron cuando en sus dos últimas grabaciones decidió dar un pequeño giro hacía lo que ellos denominan "comercialidad".

Michel Petrucciani, Andy McKee, Victor Jones y Adam Holzman nos regalan este delicioso Bite grabado en el Theaterhaus Stuttgart West Germany. Abril de 1990.

El 12 de febrero de 2009, diez años después de su muerte, el canal de música francesa Mezzo transmitió un evento especial para rendir homenaje a Petrucciani que por cierto puede ser seguido prácticamente de forma integra en Youtube.

Como particular y humilde homenaje a este extraordinario pianista hemos decidido compartir hoy la que fue su última grabación original, "Both Worlds", editada en el año 1998. 9 temas originales de Petrucciani, quién esta acompañado por un grupo estelar de músicos entre los que se encuentran Steve Gadd, Anthony Jackson o Bob Brookmeyer.

Descanse en paz Michel Petrucciani.

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-35 Seconds of Music and More
2-Brazilian Like
3-Training
4-Colors
5-Petite Louise
6-Chloé Meets Gershwin
7-Chimes
8-Guadeloupe
9-On Top of the Roof

CREDITS

Michel Petrucciani Piano Anthony Jackson Bass Steve Gadd Drums Flavio Boltro Trumpet Bob Brookmeyer Trombone, Arranger Stefano di Battista All Saxophones

Jazzy

"Sleepin' Gypsy" (1977) de Michael Franks. El mejor trabajo del vocalista y compositor californiano.

2011-12-11T17:10:00.009+01:00

Michael Franks nace un 18 de septiembre del año 1944 en La Jolla (California). Enormemente popular en los años 80, Franks ha trabajado con muchos de los mejores músicos de los años 70s, 80s y 90s, algo que podrás certificar haciendo un somero repaso de los créditos de cualquiera de sus más de 20 discos grabados durante sus casi 40 años de actividad artística. Además, algunos de sus temas han sido grabados por The Manhattan Transfer, Patti Labelle, Carmen McRae, Diana Krall o The Carpenters, por citar unos pocos.

Una banda de ensueño compuesta por Chuck Loeb, que ejerce de maestro de ceremonias, Tim Lefeuvre, Till Bronner, Eric Marienthal, Dennis Chambers y nuestro artista de hoy, Michael Franks, nos interpretan The Lady Wants to Know, un tema incluído en el disco de hoy. Loeb en su introducción define a Franks como un artista con un estilo único.

Franks creció al sur de California con sus padres y sus dos hermanas pequeñas. Aunque ninguno de sus familiares tuvo relación alguna con el mundo de la música, sus padres eran unos grandes aficionados al swing y escuchaban con frecuencia a grandes del jazz como Peggy Lee, Ira Gershwin, Johnny Mercer, Nat King Cool o Irvin Berling. Estás fueron sus primeras influencias.

Tiger in the Rain, un precioso tema de Franks incluído en su disco de igual nombre editado en el año 1979, justo después del disco de hoy.

Al cumplir los 14 años, Franks se compró su primera guitarra, una Marco Polo japonesa que le costó 29,95$. Incluía 6 lecciones privadas, la única formación musical que iba a recibir. Al llegar al instituto empezó a tocar en un grupo de rock-folk. Más tarde se fue a estudiar a la Universidad de UCLA y sería allí donde descubriría las que a la postre serían sus más grandes influencias, personificadas en músicos como Dave Brubeck, Patti Page, Stan Getz, Joao Gilberto, Miles Davis y, muy especialmente, el maestro Jobim. Y lo cierto es que esta admiración que siente Franks por Jobim queda del todo patente en "Sleepin' Gypsy" su tercer y, en nuestra opinión, mejor trabajo.

"Sleepin' Gypsy" grabado en el año 1977 nos muestra por primera vez el estilo que Franks quería imprimir a su música. Suaves melodías que oscilan entre el jazz y la bossanova acompañados de una lujosa orquestación dirigida por el ya entonces veterano Claus Ogerman. El disco contiene 8 temas, algunos tan influyentes y decisivos en la discografía de Franks como "The Lady Wants to Know", "B'wana-He No Home", "Chain Reaction" (compuesto conjuntamente con el teclista Joe Sample) o "Antonio's Song (The Rainbow)" dedicada a su maestro, pero también preciosas baladas como "I Really Hope It's You" o "Down In Brasil" .

Producido por Tommy Lipuma con mezclas de Al Schmidt, el larga duración cuenta, como siempre sucede con los trabajos de Franks, con una extraordinaria colección de músicos entre los quenos apetece especialmente destacar a los saxofonistas Michael Brecker y Dave Sanborn; los pianistas Joao Donato y Joe Sample y a los guitarristas Larry Carlton y Helio Delmiro. Multiculturalidad y fusion de estilos hacen de este "Sleepin' Gypsy" un disco absolutamente recomendable para los amantes de la música en general.

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-The Lady Wants to Know Franks
2-I Really Hope It's You Franks
3-In the Eye of the Storm Franks
4-B'wana-He No Home Franks
5-Don't Be Blue Franks, Guerin
6-Antonio's Song (The Rainbow) Franks
7-Chain Reaction Franks, Sample
8-Down in Brazil Franks

CREDITS

Michael Franks Banjo, Guitar, Mandolin, Vocals
David Sanborn Sax (Alto) Michael Brecker Horn, Sax (Tenor) Wilton Felder Bass Larry Carlton Guitar Helio Delmiro Guitar, Guitar (Rhythm) Larry Bunker Drums John Guerin Drums João Palma Drums Ray Armando Percussion João Donato Piano Joe Sample Piano, Keyboards Claus Ogerman Arranger, Conductor Tommy LiPuma Producer Al Schmitt Engineer, Mixing

Jazzy

"Feminina" (1980) de Joyce Moreno. Una referencia en la MPB.

2011-12-10T08:43:00.006+01:00

Joyce Moreno es una de las grandes, dentro de la música brasileña. Vocalista excepcional, guitarrista, compositora, letrista, periodista, escritora y muchas cosas más, esta polifacética artista ha conseguido llevar a cabo una envidiable carrera plagada de grandes grabaciones.

De una de esas grandes grabaciones, concretamente de Ilha Brasil (1996) extraemos esta deliciosa O Xines E A Bicicleta.

Joyce nació muy cerca de la playa de Copacabana, al sur de Rio de Janeiro el día 31 de enero de 1948. Sus padres se separaron antes de que ella naciera y fue registrada por su madre, Zemir, como hija de su primer matrimonio. Zemir, funcionaria pública, cuidó sola de ella y de dos hijos más.

Joyce aprende a tocar la guitarra a los 14 años, observando a su hermanastro Newton, 13 años mayor que ella. Un par de “desconocidos” de nombre Roberto Menescal y Eumir Deodato (que en esos años tocaba el acordeón) eran buenos amigos de Newton. De hecho, por casa de la pequeña Joyce pasaba de forma habitual gente como Leny Andrade, los hermanos Castro-Neves y los antes mencionados, Menescal y Deodato. Ella se limitaba a mirar y a abrir bien los oídos.

En 1964, con 16 años de edad, hace su primera grabación en estudio, “Sambacana”, invitada por Roberto Menescal. La música seguía siendo para ella un sueño distante.
A los 18 años inicia por primera vez estudios de música y al año siguiente comienza la carrera de periodismo llegando a trabajar para O Jornal do Brasil. Ese mismo año clasifica la canción “Me disseram” para el Segundo Festival Internacional da Cançao de Rio. La letra, que incluye el verso “ja me disseram que meu homem nao me ama” (me dijeron que mi hombre no me quiere) causo gran revuelo en Brasil tan sólo por que estaba escrita en 1ª persona del femenino. Algunos periodistas calificaron la letra de “vulgar e inmoral”, acusándola de feminista (concepto que luego comentó la propia Joyce que ni siquiera conocía en aquel momento). Recordemos que Brasil estaba sumida en una terrible dictadura. Algunos músicos, como Nelson Motta o Fernando Lobo apoyaron a la joven artista brasileña.

En 1968 graba su primer trabajo con el nombre de “Joyce”. El disco estaba compuesto por 11 temas; 5 suyos y 6 más de gente entonces desconocida como Paulino da Viola, Marcos Valle, Francis Hime, Caetano Veloso, Jards Macalé, Toninho Horta y Ronaldo Bastos.

Al año siguiente graba su segundo trabajo producido por Nelson Motta, con arreglos de Luis Eça, titulado “Encontro Marcado” y hace su primera gira fuera de Brasil. Con el grupo Sagrada Familia de Luiz Eça, grabaría un nuevo trabajo en 1970 y ese mismo año lanzaría un doble compacto con el grupo A Tribu, formado por ella, además de Toninho Horta, Novelli, Nana Vasconcelos y Nelson Angelo, con quien se casaría meses después.

Entre 1971 y 1975 sólo un trabajo. La artista se dedica a su familia y tiene dos hijas, Clara y Ana, cuyos nombres daría origen a uno de sus temas más famosos, “Clareana”, incluído en el disco que os ofrecemos hoy.

Videoclip original de Clareana grabado por Joyce para TV Globo en 1980.

En 1975 Joyce se separa de Nelson Angelo y es invitada por Vinicius de Moraes para substituit a Toquinho. Al año siguiente graba en Italia “Passarinho Urbano”, el trabajo donde interpreta temas de nuevos artistas censurados por la dictadura militar, entre ellos Chico Buarque, Milton Nascimento, Caetano Veloso, Edu Lobo, Maurício Tapajós o el mismo Vinicius. En 1977 Joyce conoce a Tutti Moreno en New York con quien se casaría, tras 24 años de convivencia, en el año 2001. De su unión nacería, en 1980, la tercera hija de Joyce, Mariana. Justo ese año despega definitivamente la carrera de esta polifacética artista, con el lanzamiento del excelente trabajo “Feminina”, el disco que hemos decidido ofreceros hoy. "Feminina" contiene temas memorables como el que da título al disco, "Feminina" o el mencionado "Clareana" además de las conmovedoras "Essa Mulher" y "Revendo Amigos" o la vibrante "Aldeia de Ogum". Esta última fue redescubierta 12 años más tarde por algunos DJ’s de Londres que convertirían a Joyce en una gran estrella en las pistas de baile de UK. Cabe recordar que fue la primera artista brasileña invitada en un festival de acid jazz donde la acogió un caluroso público de más de 2000 personas.

Femenina, el corte que da título a este magnífico disco de Joyce.

Una extraordinaria grabación, de principio a fin, que no os podéis perder.

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-Feminina Joyce
2-Mistérios Joyce/Mauricio Maestro
3-Clareana Joyce
4-Banana Joyce
5-Revendo Amigos Joyce
6-Essa Mulher Joyce/Ana Terra
7-Coraçao de Criança Joyce/Fernando Leporace
8-Da Cor Brasileira Joyce / Ana Terra
9-Aldeia de Ogum Joyce
10-Compor Joyce

CREDITS

Joyce Guitarra, Voz, Arreglos
Fernando Leporace Flauta
Fernando Maestro Flauta
Helio Delmiro Guitarra
Tuti Moreno Bateria, Percusión
Mauro Senise Saxo
Gilson Peranzzeta Cuerdas, Flautas
Claudio Guimaráes
Helvius Vilela
Danilo Caymmi
Jorginho
Luzzie Bravo
Clarinha e Aninha (sus hijas)

Jazzy