Frecuentan nuestro tejado...

"One Bad Habit" (1980) del vocalista y compositor californiano Michael Franks. El quinto trabajo de un músico muy singular.

Filed Under (), (), (), (), (), (), () by Música para Gatos on sábado, 30 de octubre de 2010





Michael Franks nace un 18 de septiembre del año 1944 en La Jolla (California). Enormemente popular en los años 80, Franks ha trabajado con músicos de la talla de Patti Austin, Brenda Rusell, Art Garfunkel o David Sanborn y sus temas han sido grabados por gente del nivel de The Manhattan Transfer, Patti Labelle, Carmen McRae, Diana Krall o The Carpenters, por citar unos pocos. Franks creció al sur de California con sus padres y sus dos hermanas pequeñas. Aunque ninguno de sus familiares tuvo relación alguna con el mundo de la música, sus padres eran unos grandes aficionados al swing y escuchaban con frecuencia a grandes del jazz como Peggy Lee, Ira Gershwin, Johnny Mercer, Nat King Cool o Irvin Berling, las primeras influencias que recibió.

Al cumplir los 14 años,
Franks se compró su primera guitarra, una Marco Polo japonesa que le costó 29,95$. Incluía 6 lecciones privadas, la única formación musical que Franks iba a recibir.
Al llegar al instituto empezó a tocar en un grupo de
rock-folk. Más tarde se iría a estudiar a la Universidad de UCLA y sería allí donde descubriría las que a la postre serían sus más grandes influencias, personificadas en músicos como Dave Brubeck, Patti Page, Stan Getz, Joao Gilberto, Miles Davis y, muy especialmente, el maestro Jobim.

A finales de los años 60,
Franks empezó a componer sus primeros temas. Participó en un musical antibélico y hizo sus primeras bandas sonoras para cine, hasta que en 1973 grabó su primer trabajo más tarde rebautizado como "Previously Unavailable". Era un disco con carácter marcadamente folk que nada tendría que ver con sus siguientes trabajos.

Fue en el año 1976 cuando grabó su segundo LP. Producido para
Warner Bross por el gran Tommy Lipuma, "The Art of Tea" contenía grandes temas como "Eggplant", "Sant Elmo's Fire" o "Sometimes I Just Forget to Smile", además de grandes clásicos del cantautor, como "Popsicle Toes" o "Monkey See, Monkey Do" e incluía en su nómina a músicos de la talla de Michael Brecker, Dave Sanborn o Wilton Felder (de Crusaders). Desde entonces hasta su último "Watching the Snow" del año 2006, nada menos 15 discos firmados por Franks (sin incluir recopilaciones ni directos), algunos tan brillantes como "Sleeping Gypsy" (1977), "Tiger in the Rain"(1979), "Abandoned Garden" (1995) o el que representó su mayor éxito comercial "Passionfruit" grabado en el año 1983. Hoy, no obstante, no vamos a quedar con su quinto trabajo (sexto en realidad si contemplamos "Previously Unavailable" de 1973) , el intimista "One Bad Habit".

Os propongo un receso en la lectura para disfrutar de este clip en el cual el guitarrista Chuck Loeb presenta a su banda Reunion y luego a su amigo Michael Franks. Juntos interpretan el tema más famoso de Franks, The Lady Want's to Know, incluído en Sleeping Gypsy.


Publicado en el año 1980, tras el muy brasileño
"Tiger in the Rain" (1979), One Bad Habit vuelve de nuevo a las raices, acercándose al estilo de The Art of Tea. Franks se despoja de toda influencia y se aplica para entregarnos una colección de 9 buenos temas, todos ellos de su personal cosecha con la única excepción de Lotus Blossom, probablemente uno de los cortes más versionados del músico californiano, realizado también por Franks pero en este caso con la colaboración del teclista Don Groinick.

One Bad Habit
es Michael Franks en estado puro. Buenas canciones, músicos impecables, irónicas letras y una impresionante factura final a pesar de sus evidentes limitaciones como vocalista. Y es que Franks no es estrictamente un vocalista de jazz (ni de R&B o fusion o pop o jazz funk o como diablos se empeñen en llamarlo). Franks es un cantautor que se ha preocupado mucho más que la gran mayoría de sus intelectuales colegas en que el resultado musical tenga una factura que se encuentre a la altura de sus inspiradas letras. Y es que frecuentemente el público más leído (pero menos oído, si me permitís la expresión) se deslumbra ante una buena letra y no se
para a pensar que quizás aquello que está oyendo se acerca mucho a la literatura pero diverge notablemente de lo que debe ser una obra musical. No lo decimos en tono crítico pero creemos que la literatura es el arte de unir palabras mientras que la música lo que trata de unir son sonidos. Cuando ambos brillan y se dan la mano el resultado final se convierte en una fantástica experiencia para el oyente. Lo mismo sucede cuando la música es sobresaliente aunque el tema sea instrumental y por lo tanto carezca de mensaje en forma de letra. Pero en ningún caso podemos obtener un resultado notable si el término musical no aparece subrayado y en negrita en la ecuación final, aunque la letra fuera del mismísimo William Shakespeareo o de Johnny Mercer, por citar a un reputado letrista. En nuestra opinión Franks no cayó en la trampa y ese sútil detalle le procuro no pocos problemas con la crítica especializada , tan acostumbrada a otros productos mucho más fáciles de catalogar. A pesar de la opinión de "nuestros amigos los críticos", One Bad Habit nos parece un excelente trabajo del cual nos apetece especialmente destacar las muy tiernas Inside You y Still Life, las souleras One Bad Habit y Baseball y, especialmente, All Dressed Up With Nowhere to Go y On My Way Home To You, dos temas que definen de forma perfecta y precisa el universo musical de un artista tan interesante como incomprendido. En el siguiente reproductor podéis escuchar tres de los seis temas que os acabamos de destacar, concretamente All Dressed Up With Nowhere to Go, On My Way Home To You y Inside You.



MusicPlaylist
Music Playlist at MixPod.com

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-Baseball
Franks
2-Inside You Franks
3-All Dressed Up (With Nowhereto Go) Franks
4-Lotus Blossom Franks, Groinick
5-On My Way Home to You Franks
6-One Bad Habit Franks
7-Loving You More and More Franks
8-Still Life Franks
9-He Tells Himself He's Happy Franks

CREDITS


Michael Franks Banjo, Guitar, Mandolin, Vocals
Don Grolnick Clavinet, Fender Rhodes, Keyboards, Piano Dennis Belfield, Eddie Gomez, Neil Jason Bass Lenny Castro Percussion André Fischer Drums, Percussion, Producer, Tambourine Clare Fischer Conductor, String Arrangements Ray Armando Conga, Percussion Eric Gale Guitar Larry Hall, Kim Hutchcroft Horns Jerry Hey Conductor, Flugelhorn, Horn, Horn Arrangements Yolanda Howard, Petsye Powell, Sylvia Shemwell Vocals
Larry Williams Conductor, Horn, Horn Arrangements, Synthesizer, Synthesizer Arrangements Rick Marotta Drums Hugh McCracken Guitar Bill Reichenbach Jr. Conductor, Horn, Horn Arrangements George Sopuch, David Spinozza Guitar, Guitar (Electric), Guitar (Rhythm) Tennyson Stephens Clavinet, Fender Rhodes, Piano Rick Zunigar Guitar, Guitar (Acoustic) Tommy LiPuma Producer Al Schmitt Mix, Engineer



Jazzy



"The Charmer" (1992) del extraordinario bajista de Philadelphia, Charles Fambrough.

Filed Under (), (), (), (), (), (), () by Música para Gatos on viernes, 29 de octubre de 2010






Charles Fambrough es un bajista y compositor nacido el 25 de agosto del año 1950 en Philadelphia. Como músico, Fambrough esta influenciado por algunos grandes del jazz como Art Blakey, McCoy Tyner, Herbie Hancock y Wayne Shorter, así como por los ritmos latinos, brasileños y afrocubanos.

Originalmente estudió piano clásico, pero a los 13 años se interesa por el bajo, que será su instrumento definitivo.

En 1968 comenzó a tocar con grupos locales de su Philadelphia natal y dos años después, en 1970, le aparece la oportunidad de unirse a la banda de Grover Washington, Jr. permaneciendo con el famoso saxofonista hasta 1974.

Después de esa experiencia se incorpora al grupo del percusionista brasileño Airto Moreira, quien le enseña a tocar el berimbau. Posiblemente en este momento nace el gusto de Fambrough por los ritmos procedentes de Brasil, que estarán presentes en gran parte de las grabaciones que hará como lider de su propio grupo en el futuro. En el 78 empieza su andadura con el pianista McCoy Tyner que se prolongará hasta el año 80, momento en el cual se incorpora a los Jazz Messengers de Art Blakey con quienes adquiere el mayor reconocimiento hasta la fecha.

Tras abandonar la banda de Blackey comienza a hacer sesionista, participando en grabaciones de gente tan conocida como los hermanos Wynton y Branford Marsalis, Roy Hargrove, Kenny Kirkland, Jerry González, Steve Turre, Donald Harrison, Kenny Garrett, Abdullah Ibrahim o Grover Washington, Jr.

En 1991 graba su primer larga duración como bandleader, "The Proper Angle", un magnífico trabajo compuesto por 10 temas originales: 6 del propio Fambrough más 4 composiciones de Ford, Kirland, Marsalis y la excelente versión del tema Don Quixote, de Milton Nascimento. Producido por el legendario Creed Taylor, "The Proper Angle" nos muestra a un excelente grupo de músicos entre los cuales se encuentran, además de los citados, algunos grandes nombres del jazz y del fusion como Steve Berrios, Roy Hargrove, Mino Cinelu o Jerry Gonzalez.

Al año siguiente llegará su segunda propuesta, The Charmer, que seguirá la extraordinaria linea marcada por su predecesor. De los 7 temas que componen el disco, 4 están compuestos por Fambrough para la ocasión y el resto nada más y nada menos que por el saxofonista Grover Washington Jr y los pianistas Abdulah Ibrahim y Bill O'Connell, todos ellos con participación activa en la grabación. De hecho, los créditos de los discos de Fambrough siempre te garantizan la presencia de grandes músicos y The Charmer no es una excepción ya que en él podemos encontrar, además de los citados, a gente como los baterias Jeff 'Tain' Watts y Jimmy Drummond, el trompetista Roy Hargrove, el pianista Kenny Kirland, el saxofonista Kenny Garrett o el percusionista Leonard Doc Gibbs, por sólo citar unos pocos.

Como su previo "The Proper Angle", "The Charmer" está producido por Creed Taylor para la legendaria CTI .

De entre todos los temas que componen el larga duración nos apetece destacar especialmente las bellísimas Alycia/Andrea y Oasis, ambas de Fambrough; la conmovedora Lullaby for Shana Bly, en nuestra opinión, una de las grandes composiciones del genial Grover Washington Jr. y , como no, Sparks, el primer tema que Bill O'Connell incorporaría a un disco del bajista, iniciando de esta forma una colaboración que se haría extensible a la mayoría de las grabaciones de ambos y que duraría prácticamente hasta la actualidad.

Jazz de primer nivel en el tejado de hoy, amigos. Esperamos que los disfrutéis tanto como nosotros.

Aquí vemos a Charles Fambrough formando parte de la banda de Eugene Maslov, un hombre del que hemos hablado en el tejado. Les acompañanan Ron Blake al saxo, Sean Jones a la trompeta y Wilby Fletche a la bateria.


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TRACKS

1-The Charmer Fambrough
2-Beautiful Love Ibrahim
3-Alycia/Andrea Fambrough
4-Oasis
Fambrough

5-Lullaby for Shana Bly
Washington

6-Little Man
Fambrough

7-Sparks
OConnell


CREDITS


Charles Fambrough
Bass, Associate Producer

Grover Washington, Jr.
Sax (Soprano)
Abdullah Ibrahim, Kenny Kirkland, Stephen Scott Piano Bill O'Connell Synthesizer, Piano Billy Drummond, Yoron Israel, Jeff "Tain" Watts Drums Kenny Garrett Sax (Alto) Doc Gibbs, Bashiri Johnson Percussion Roy Hargrove Trumpet Creed Taylor Producer, Photography



Jazzy

"Um Banda Um" (1982), un magnífico trabajo del polifacético compositor, guitarrista y vocalista de Bahía, Gilberto Gil.

Filed Under (), (), (), (), (), (), (), (), (), () by Música para Gatos on lunes, 25 de octubre de 2010






Gilberto Passos Gil Moreira, más conocido como Gilberto Gil, nace en Salvador de Bahia , Brasil el 26 de junio de 1942 . Gil es cantante, compositor y, desde el 2003 hasta el 2008 fue Ministro de Cultura de Brasil en el gobierno de Lula Da Silva.

Los ritmos del nordeste de
Brasil así como la samba y la bossanova, fueron fundamentales en su formación. Utilizando estas influencias como punto de partida, Gil hizo su propia música, incorporando algo de rock, reggae, funk , ritmos africanos y sonidos de de su Bahia natal, como el afoxé. Gil es además un interesante letrista cuyos trabajos dejan a menudo constancia de temas que le interesan, como las desigualdades sociales, las diferencias raciales, la cultura africana, la ciencia o la religión.

Gilberto Gil inició su carrera en Brasil en los años 60. Tras un breve periodo interpretando bossanova se sintió atraído por la música que triumfaba en esa época en todo el mundo, especialmente Beatles y Bob Marley. Fruto de dicha atracción Gilberto se convirtió, junto con su amigo Caetano Veloso , en una de las figuras claves en la creación del movimiento Tropicalista, que pretendía similar los conceptos básicos de la música brasileña con las nuevas músicas procedentes de otras culturas. Pero en el año 1969, Gil y Veloso fueron considerados «subversivos», siendo detenidos por el régimen militar brasileño instaurado después de 1964 (los gorilas, como les llamó "cariñosamente" Elis Regina). Una vez liberados, ambos fijaron residencia en Londres. Gil empezó a tocar con grupos como Yes, Pink Floyd y The Incredible String Band, mientras continuaba su carrera como solista, consiguiendo en 1968 grabar un trabajo con su nombre.

"Expresso 2222" por Gil. La canción fue interpretada con éxito por la gran Elis Regina y adaptada también por Ana Belén para su "Ana en Rio".

Trás su regreso a Brasil, comienza una serie de discos que obtienen un gran éxito en los años 70s, como "Expresso 2222"(1972) , "Gil y Jorge" (1974) con Jorge Ben Jor, o "Refavela" (1977), que incluye ritmos procedentes de Jamaica, Nigeria, Río de Janeiro y Bahía. Acaba la década con la publicación de "Realce" (1979), un trabajo grabado en Los Ángeles tras su aparatoso triumfo en el Festival de Montreux del año anterior, concierto que dió como fruto el extraordinario directo "Gilberto Gil Ao Vivo en Montreux", otro de sus trabajos claves de esa década. "Realce" vuelve a ser un punto de inflexión en su carrera que se hará más palpable en sus siguientes trabajos, especialmente en "Luar" (1981), "Un Banda Um"(1982) y "Extra" (1983).

"Flora" compuesta por Gil e incluída en "Luar". Madrid, año 2002.

El primero de ellos, "Luar", es un disco de fusion en toda la extensión de la palabra. En él podréis encontrar pop, funk, bossanova, samba, reggae, afoxé o rock, siempre mezclados con total y absoluta normalidad y con resultados muy satisfactorios. Oiréis excelentes baladas, como la preciosa "Flora" dedicada a su esposa, "Lente de Amor" o "Se Eu Quiser Falar Com Deus" que incluye una sutil pero demoledora letra en la cual nos va desgranando uno a uno todos los requisitos imprescindibles para conseguir hablar con Dios para acabar concluyendo que "al final no queda nada, nada, nada, de lo que pensaba encontrar".

El disco fue grabado en el segundo semestre de 1980. Dominguinhos , coautor junto a Gil de “Abri a Porta”, participó en el corte Sonho Molhado. Varios de los temas contaban con la aparición de las vocalistas Lúcia Turnbull y Rosana, además de Ronaldo Barcelos. Jane Duboc participa en el contrapunto vocal de “Se Eu Quiser Falar com Deus”, el primer tema que grabaron y el último del disco, además del más exitoso, tanto que apareció antes en single que en LP. “Se Eu Quiser Falar com Deus” fue compuesto por Gil para Roberto Carlos, pero este acabó no aceptándolo por ciertas diferencias, suponemos que con su agnóstica letra, y al final fue el propio Gil quién decidió incluirlo en “Luar”. “Se Eu Quiser Falar Com Deus” fue grabado casi de forma inmediata por Elis Regina, lo que en la época era garantía de éxito.

Se Eu Quiser Falar Com Deus, el tema de Gilberto Gil que Roberto Carlos nunca quiso grabar, suponemos que por su delicada letra. Escucha con atención.



“Lente de Amor”
fue utilizada como cabecera de la serie de la TV brasileña “Amizade Colorida” y la preciosa “Flora” fue compuesta por Gil en 1979 tras conocer a la mujer con la que se casaría y tendría tres hijos. Destacar también que en “Morena” contaría con la colaboración de Cassiano y la guitarra de Ricardo Silveira. Dedicado a Lennon, que fue asesinado ese mismo año, el larga duración fue lanzado por WEA en el año 1981 tras rodar el especial “Gilberto Passos Gil Moreira” para Rede Globo. Todo ello obligó a Gil a iniciar una gira internacional que duró más de 6 meses. Despúes de la gira, a principios de 1982, se traslada a New York. La Warner estaba intentando repetir el fenómeno de Sergio Mendes y pidió a Gil un album que fuera interesante para el mercado norteamericano. El productor sería el percusionista Ralph McDonald. La grabación se alargó durante entre tres y cuatro semanas en las que participaron músicos de la talla de Richard Tee (keys), Grover Washington, Jr. (sax), Steve Gadd (drums) y Marcus Miller (bass) además del productor, Ralph McDonald. El disco se llamaría Jump For Joy y contendría además un dueto entre Gil y Roberta Flack. Al final de dicha grabación Gil volvería a Brasil y unas semanas después recibiría una demo del trabajo efectuado. Parece ser que a Gil no le gusto nada el resultado ni el repertorio. Jump For Joy nunca vería la luz.

Al abandonar esta idea, deprimido, decidió entrar en estudio de nuevo y esta vez, ayudado de músicos brasileños, realizar una nueva grabación que sería el primer esbozo de Um Banda Um, el disco que os proponemos hoy en el tejado. Pero el resultado seguía sin convencer a un inquieto Gilberto Gil que entró en una profunda crisis creativa. Armado de su guitarra decidió ofrecer una serie de conciertos sin acompañamiento alguno. Cuando volvió de la terapia ya tuvo claro lo que quería. De las bases grabadas en marzo de 1982 tan sólo se quedó con las de
Esoterico y la de Deixar Vocé, a la que añadió un solo de saxo de Oberdan Magalhaes, lider de la Banda Black Rio. El resto fueron totalmente regrabadas entre mayo y junio de 1982 y contaron con la aportación del teclista Rique Pantoja, miembro fundador de Cama de Gato, en la programación de sintetizadores.

Algunos meses después del lanzamiento de Um Banda Um, la discográfica norteamericana que había grabado con Gil el frustrado proyecto de Jump of Joy le propuso regrabar en inglés algunos de los temas del disco para su lanzamiento en el mercado americano. Pero Gil no dominaba bien el inglés y la discográfica le propuso otro vocalista, americano él, para que los cantara. El resultado fue enviado a Gilberto Gil pero como Jump of Joy nunca sería realizado.

El resultado de tanto trabajo, frustraciones y malos y buenos momentos sería Um Banda Um, el disco que os proponemos hoy en el tejado, un trabajo con algunos altibajos pero que incluye un puñado de interesantes temas de la factoria Gil, como la irónica Metáfora, la delicada Deixar Vocé, la preciosa Drao o la enternecedora Nossa.

Actualmente Gil tiene 52 álbumes publicados, 12 discos de oro, 5 discos de platino, 7 Grammys y más de 4 millones de discos vendidos. Es miembro del Partido Verde brasileño y muy conocido por su defensa del software libre, y por extensión, de la cultura libre. Lo celebramos.

No queríamos acabar sin poner este bonito video que nos muestra a Gil junto a Stevie Wonder disfrutando como locos mientras interpretan Desafinado de forma improvisada. Uno de aquellos clips que gustan a los gatos de este tejado.


Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-Um Banda Um Gil
2-A Afoxe E Gil
3-Metafora Gil
4-Deixar Voce Gil
5-Pula, Caminha Araujo, Pinto
6-Andar Com Fé Gil
7-Drão Gil
8-Esotérico Gil
9-Menina Do Sonho Gil
10-E Menina Donato, Guarabira
11-Nossa Gil

CREDITS

Gilberto Gil Agogo, Arranger, Coro, Cowbell, Guitar, Palmas, Viola, Vocals
Paulinho Braga Drums Jorjão Barreto Coro, Fender Rhodes, Organ, Palmas, Piano, Synthesizer Paulo Cesar BassRobson Jorge Clavinet, Fender Rhodes, Piano Vitor Farias Pandeiro Celso Fonseca Guitar Ze Bulhoes, Paulinho Soledade Coro, Palmas Neila Carneiro, Viviane De Carvalho, Narinha Gil, Ana Leuzinger Coro Liminha Arranger, Artist Direction, Fender Rhodes, Mixing, Piano, Producer Wilson Meirelles Agogo, Claves, Drums Sidinho Moreira Percussion Lincoln Olivetti Arranger, Organ, Piano, String Arrangements, Synthesizer Rique Pantoja Arranger, Synthesizer, Synthesizer Programming
Ricardo Silveira Guitar, Soloist, Viola





Jazzy

"Patagonia" (2009) un excelente trabajo del pianista argentino Mingui Ingaramo.

Filed Under (), (), (), (), (), (), () by Música para Gatos on domingo, 24 de octubre de 2010





Mingui Ingaramo es un excelente pianista, teclista y compositor argentino. Músico de extensa trayectoria, ya en el año 1980 forma parte, junto a su hermano Juan Carlos Ingaramo, del Grupo Encuentro con quienes edita su primer disco llamado “Fábulas del cielo”, considerado uno de los primeros antecedentes del jazz fusión en el interior de Argentina.



A comienzos de los 80s, Mingui funda junto a otros músicos la legendaria banda “Los Músicos del Centro” que escribe un capítulo importante en la historia de la música de Córdoba, ciudad natal de los Ingaramo, y que consigue proyectarlos a nivel nacional a través de sus trabajos principalmente junto a Litto Nebbia, y posteriormente con Fats Fernandez, Fito Paez , Mono Fontana, Pedro Aznar o Dino Saluzzi , por citar unos pocos. Durante los años 80s y 90s, edita varios discos y participa de numerosas giras y conciertos junto a los más variados artistas.

"Patagonia" es el nombre del primer disco solista de Mingui, un magnífico trabajo grabado entre Córdoba y Buenos Aires (Argentina) entre agosto de 2007 y noviembre de 2008. En el larga duración participan músicos de reconocida trayectoria como Daniel Homer y Horacio Burgos a la guitarra, Hugo Ordanini a la bateria y percusión, Fernando Bobarini al bajo, Diego Clark en percusión y voz, Heleen Dejong en el cello, Damián Torres al bandoneon, Victor Carrión al saxo y la colaboración de la cantante Marta Fernández poniendo su voz al precioso tema de Jobim y Chico Buarque, "Eu Te Amo".

"Patagonia" es un trabajo hecho con el corazón en el cual Mingui nos muestra todas y cada una de sus muchas influencias, desde el tango hasta el jazz pasando por la música clásica y los ritmos brasileños.

A pesar de la variada paleta musical utilizada por
Ingaramo, el trabajo no se resiente en absoluto y fluye con total naturalidad desde el primer tema, "Belo Horizonte" , una indefinible composición que circula libremente entre el tango y el jazz , hasta el último, "Casal Del Agua" de orientación más clásica pero como el resto del album no exento de otras influencias entre las cuales se hace notar el inconfundible sonido del mejor Pat Metheny. Entre ambos temas encontraréis una auténtica amalgama de sabores. Y es que Patagonia esta trufado de varias impresionantes demostraciones que dejan constancia de la habilidad de Ingaramo en el difícil arte de la composición, como el corte que da el título al album, "Patagonia", la muy clásica "La Huella" o la interesante "Tarde en Yacanto" con notables reminiscencias del más melódico Weather Report que quedan subrayadas con la aportación del saxo de Victor Carrión cuyo sonido nos recuerda a Wayne Shorter de forma inmediata , además de "El Aroma de un Beso", un aporte del también pianista Juan Carlos Ingaramo, hermano de Mingui, en colaboración con el emblemático músico y productor argentino Litto Nebbia. Otorgamos mención especial a la preciosa "Pensando en Inés", una auténtica lección de buen gusto y uno de aquellos temas que conviene escuchar con los ojos cerrados y el alma bien abierta.

"Patagonia" es un trabajo absolutamente recomendable y para que lo comprobéis hemos creído oportuno acercaros tres temas: "Patagonia", "Pensando en Inés" y "El Aroma de un Beso". El disco fue puesto a la venta el pasado año 2009 y, por lo tanto, aún goza de un largo camino comercial que esperamos y deseamos sea fructífero. "Patagonia" se lo merece y desde aquí nos apetece apoyarlo de forma muy especial, y más aún hoy, ya que el próximo día 26 Mingui Ingaramo presentará el disco en el Teatro Mayor de Córdoba, un auténtico templo musical por el que han desfilado gente del talento de Herbie Hancock, Chucho Valdes, Egberto Gismonti, Hugo Fatorusso o The Yellowjackets, por sólo citar unos pocos. Fuerza Mingui! Te deseamos lo mejor desde este espacio.

Si os interesa adquirir este excelente trabajo, puedes encontrarlo en el siguiente enlace:

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Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-Bello Horizonte Mingui Ingaramo
2-Canción para Sara Sergio Aranda
3-El Aroma de un Beso Litto Nebbia, Juan Carlos Ingaramo
4-La Huella Mingui Ingaramo
5-Patagonia Mingui Ingaramo
6-Eu Te Amo Tom Jobim, Chico Buarque
7-Pensando en Inés Mingui Ingaramo
8-Siempre Verdes Mingui Ingaramo
9-Obia Daniel Homer
10-Tarde en Yacanto Mingui Ingaramo
11-Casa del Agua Mingui Ingaramo

CREDITS

Mingui Ingaramo piano, teclados, voz
Daniel Homer, Horacio Burgos guitarras
Hugo Ordanini bateria, percusión Fernando Bobarini bajo
Diego Clark percusión, voz
Heleen De Jong cello
Victor Carrión Saxo Soprano
Damián Torres bandoneon
Marta Fernández voz en "Eu Te Amo"


Jazzy

"El Comandante" (1984). La única grabación del genial saxofonista dominicano Mario Rivera.

Filed Under (), (), (), (), (), (), (), (), () by Música para Gatos on sábado, 23 de octubre de 2010






"A Través del tiempo he mantenido una relación muy especial con los dominicanos; he visitado muchas veces su país y uno de mis amigos favoritos es un loco arrebatado llamado Mario Rivera, quien además de tocar muy bien todos los saxofónes y la flauta, es una especie de gurú de los músicos latinos de Nueva York. Dicen que el músico que no ha ido a casa de Mario no ha estado realmente en esta ciudad. Vive en un apartamento de tres dormitorios en la 96 y Amstersam, en Manhattan, donde hay todo tipo de instrumentos y un equipo de audio (encendido) en cada pieza, tocando los más diversos estilos musicales, desde Stan Kenton a Tito Rodriguez, pasando por Ornette Coleman, Juan Luis Guerra, Piazzola, Jacques Ibert, La Patrulla 15, Irakere y Antonio Carlos Jobim. A Mario lo que le gusta es tocar su tenor, alto, soprano, barítono, melódica, vibráfono, bongó, fagot, flauta, piano, piccolo, flauta alto, trompeta o tambora junto con los discos que suenan en cada habitación. Lo malo es que sus horas más inspiradas son las madrugadas, lo que no hace precisamente las delicias de sus vecinos; y como viaja con bena parte de su arsenal, lo mismo hace en habitaciones de hotel de calquier lugar del globo. Pero la verdad es que las contrariedades de los vecinos de Mario no le quitan su mérito, y como bien me dijo Slide Hampton después de una de esas noches que siempre se convierten en amaneceres : 'Nunca conocí a nadie con tanto amor y dedicación a la música como tú amigo Mario Rivera'". Estas palabras están extraídas del libro "Mi Vida Saxual", la biografía oficial escrita por el saxofonista y clarinetista cubano Paquito D'Rivera, amigo personal de Mario Rivera.

Entrevista a Mario Rivera efectuada por el Canal Latino. En ella Rivera nos enseña su apartamento y nos explica su concepción del jazz, con la que coincidimos plenamente.


Nacido el día 22 de julio 1939 en Santo Domingo, República Dominicana, Mario Rivera se traslada a Nueva York en el año 1961. Durante su brillante carrera, de casi 50 años, participó en multitud de proyectos con grupos como Descarga Boricua, Alex Díaz & The Be Bop Boogaloo Kings, Jerry Gonzalez & Fort Apache Band, Kip Hanrahan, Israel Kantor, Héctor Lavoe, The Brian Lynch, Joe Quijano, Eddie Palmieri, Joey Pastrana, Joe Quijano y su Conjunto o Louie Ramirez. Sus más importantes asociaciones musicales incluyen además artistas del nivel de Tito Rodríguez, la Orquesta de Machito, Paquito D'Rivera, Sonny Stitt, Tipica 73, El Octeto George Coleman, Dizzy Gillespie, Slide Hampton Jazz Masters, Giovanni Hidalgo, La Orquesta de Chico O'Farill y sobretodo, las diversas formaciones de Tito Puente, con quien trabajó durante décadas.

Mario Rivera y su banda interpretan "Todavia" un precioso tema compuesto por el músico e incluído en "El Comandante". Este video es parte de un concierto en Berna que podéis encontrar en Youtube, dividido en 10 partes diferentes, En ellas podemos ver a Rivera tocando saxo, flauta, vibráfono, cantando y lo que se le ponga por delante. Una auténtica demostración.



Mario Rivera fue uno de los acompañantes más solicitados en el negocio del jazz y la música latina, pero a pesar de haber aparecido en cientos de grabaciones (o quizás por esa misma razón), Rivera registró sólo un disco como líder, el impresionante "El Comandante", cuyo título alude al sobrenombre por el cual el saxofonista es bien conocido. El disco es una extraordinaria colección de ritmos procedentes de todos los rincones de sudámerica, desde el merengue de su tierra natal hasta la música de Brasil, pasando obviamente por el jazz más latino del cual Rivera es uno de sus exponentes más ilustres. Fue grabado entre el 6 y 7 de diciembre de 1993 y lanzado al mercado por la discográfica Groovin' High al año siguiente. El grupo que participó en esta grabación estuvo compuesto por el saxofonista George Coleman; el desaparecido pianista puertorriqueño Hilton Ruiz; Ed Cherry en la guitarra; Walter Booker y John Benitez al bajo; Ignacio Berroa y Phoenix Rivera a la bateria (este último también en paino); José Alex Díaz a las congas y guiro; Rey Díaz a la tambora y Isidro Bobadillo en el sheqere y percusión dominicana, entre otros. Su hijo y baterista Phoenix Rivera fue el director musical de este proyecto que tiene por única pega el hecho de ser el único ejemplo que se puede encontrar de la música de este gran multi instrumentista. Una auténtica gozada que consigue que la tecla de avance de tu reproductor se convierta en un elemento prescindible. Si te gusta el jazz latino vas a disfrutar como un niño pequeño, tal y como él hacía construyendo su música. "En mi caso, el día se convierte en noche y la noche se convierte en día. No hay vehículos en la calle, no hay sirenas en la noche. No hay nada que pueda bloquear la inspiración. Mi casa es como un laboratorio musical en el cual tengo que aprender a tocar instrumentos. Me paso todo mi tiempo libre en casa, practicando como un loco. Esta es la razón por la que domino 24 tipos diferentes. Cuando se trata de música, uno debe ser siempre un activo militante. La música exige toda tu atención y dedicación. Si un músico no está dispuesto a asumir ese compromiso, acabará flotando en un mar , junto con los otros personajes mediocres y ociosos ", decía Rivera.

Otro corte del concierto en Berna al que aludíamos en el video anterior. Un extraordinario tema que además nos enseña la maestría en la guira de Ray 'El Chino' Diaz. Vale la pena dedicarle unos minutos, gozarás, hermano latino.


Desgraciadamente Mario Rivera nos abandonó en agosto del 2007 tras luchar sin suerte contra un cáncer linfático. Eran la 8 A.M. en Nueva York cuando eso sucedió, una hora a la que Rivera gustaba de tocar su arsenal de instrumentos en su apartamento de Manhattan. Estamos seguros que hasta sus sufridos vecinos le echan a faltar.

Descanse en paz
"El Comandante" Mario Rivera.

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-Amigos Juntos
Rivera

2-Frank's Tune
Strozier

3-La Puerta
Demetrio

4-Tanga
Gillespie
5-Pretty Blues Coleman
6-Afternoon in Paris
Lewis

7-Todavía
Rivera

8-Have You Met Miss Jones?
Hart, Rodgers
9-En la Obscuridad Solano

CREDITS


Mario Rivera
Trumpet, Flute (Alto), Sax (Alto), Sax (Soprano), Sax (Tenor), Tamboura
John Benítez Bass Ignacio Berroa Drums Isidro Bobadillo Percussion, Shekere Walter Booker Bass Ed Cherry Guitar, Mixing, Session Coordinator George Coleman Sax (Tenor) Jose Alexis Diaz Cheng, Guira Phoenix Rivera Piano, Director, Drums, Mixing Rey Diaz Tamboura Hilton Ruiz Piano


Jazzy

30 años sin Vinicius: Recordando La Fusa (2)

Filed Under (), (), (), (), (), (), () by Música para Gatos on viernes, 22 de octubre de 2010







"A felicidade é como a pluma / Que o vento vai levando pelo ar / Voa tão leve / Mas tem a vida breve /Precisa que haja vento sem parar."

Vinicius De Moraes (de A Felicidade) Una ajustada descripción de lo que fue la vida del poeta.

Marcus Vinícius da Cruz de Melo Morais, más conocido como Vinicius de Moraes, nacido en Río de Janeiro, el día 19 de octubre de 1913, fue una figura capital en la música popular brasileña contemporánea. Como poeta escribió la letra de un gran número de canciones que se han convertido en auténticos clásicos de la música popular. Como intérprete participó en decenas de discos, la mayoría de ellos como lider, todo ello mientras seguía con su carrera como diplomático al servicio del gobierno brasileño.

En 1929, comenzó a estudiar derecho en Río de Janeiro. Pero poco después, partir de 1932 , escribió las letras de diez canciones que fueron grabadas por los hermanos Tapajós. Cuando finalizó sus estudios, publicó sus libros Caminho para a distância (1933) y Forma e exégese. Más tarde (1935) comenzó a trabajar como censor cinematográfico y escribió su tercer libro Ariana, A Mulher (1936).

En 1938 De Moraes se instala en Inglaterra y comienza sus estudios en Universidad de Oxford gracias a una beca concedida por el gobierno inglés. En esa época creció su interés por la poesia, cosa que le llevó a escribir un nuevo libro de nombre Novos Poemas. Tres años más tarde volvió a Río y comenzó a redactar críticas cinematográficas en periódicos y revistas.
Su carrera diplomática comienza en el año 1943 coincidiendo con la publicación de su nuevo libro Cinco elegías. En 1946 fue enviado a Los Ángeles como vicecónsul en su primer destino diplomático. Aprovecha de nuevo su tiempo escribiendo Poemas, sonetos e baladas.

Canto de Ossanha, interpretada por Vinicius. A la guitarra un jovencísimo Baden Powell.


Al principio de 1950, De Moraes volvió a Brasil por la muerte de su padre.
Su primer samba (compuesto junto con el músico Antônio Maria) fue "Quando tu passas por mim", editada en 1953. Ese año se traslada a Francia como segundo secretario de la embajada de Brasil.

Su obra de teatro Orfeu da Conceição ganó el Concurso del IV Centenario de São Paulo en 1954. Al año siguiente escribió la letra de algunas de las piezas de música de cámara de Cláudio Santoro.

Pero 1958 sería un año clave en su carrera ya que fue entonces cuando se publicó el primer trabajo oficial de la bossanova. Elizeth Cardoso grababa el disco Canção do amor demais, un larga duración en el cual todos los temas estaban compuestos por el duo De Moraes-Jobim. Además, la guitarra de Joao Gilberto aparecía en los dos últimos cortes, Outra Vez y Chega De Saudade. Este último sería a la postre el tema iniciatico de la bossa nova. Con música de Jobim, letra de De Moraes y la batida de la guitarra de Gilberto, Chega De Saudade se convertiría en un éxito de dimensiones planetarias, a pesar de que a la mujer de Vinicius esa letra siempre le pareció una bobada. De Moraes, que siempre fue un hombre de una enorme inteligencia siempre dijo que la bossa nova era simplemente "un poquito de tristeza y un poquito de alegría", exactamente lo que sucede con la letra de Chega De Saudade. Si quieres ampliar info sobre esta cuestión haz click aquí.

Vinicius con Toquinho interpretando la preciosa Tarde Em Itapoá.


Un año después, en 1959, Marcel Camus llevaba al cine Orfeu da Conceição con el título de Orfeo negro. La película se haría con el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el premio de la Academia Británica. La cerrera de Vinicius había despegado de una forma imparable.

En los años sesenta, Vinícius realizó colaboraciones con muchos cantantes y músicos reconocidos en Brasil, en particular con Toquinho (el colaborador más frecuente de De Moraes y uno de sus grandes amigos). Sus canciones "Para uma menina com uma flor " y "Samba da bênção" (con música de otro buen amigo, el también guitarrista y colaborador estable de De Moraes, Baden Powell, con quien promovería el movimiento de la Afro-Samba) fueron incluidas en la banda sonora de "Un homme et une femme" (Claude Lelouch, 1966), película que ganaría también la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Vinicius y Jobim interpretando una de las canciones más conocidas de la bossa nova, Garota de Ipanema. Conmovedor.


Vinicius nunca dejó carrera diplomática y pasó su vida escribiendo libros, poesía, música y disfrutando de bellas mujeres y del buen whisky de malta hasta que le alcanzó la muerte un 9 de julio de 1980. El pasado 9 de julio hizo exactamente 30 años. Se fue en el mismo lugar en el que había nacido, su adorado Rio De Janeiro. Tenía sólo 67 años, pero fueron 67 años vividos a fondo. Si quieres comprobarlo tan sólo tienes que escuchar la obra que hemos decidido acercar a nuestro tejado como homenaje a De Moraes, uno de los discos más conocidos de la bossa nova, el famoso "Vinicius De Moraes, Maria Creuza y Toquinho en La Fusa", una auténtica celebración de la música (y de la vida) en la que se nota que los músicos lo están pasando bien, pero también es un disco con una desconocida historia que vale la pena comentar. Y es que para comenzar, La Fusa no es un disco en directo a pesar de que pueda parecerlo. De hecho fue el propio Vinicius quien sugirió para lograr una mejor calidad de sonido, que las canciones fuesen grabadas en un estudio de Buenos Aires y que después, se añadieran las voces del público rioplatense, localidad donde se encontraba La Fusa, un local en el que habían actuado con frecuencia. Parece que el público de ese local era tan entusiasta, alegre y emotivo que valía la pena conservar el sonido ambiente. En él aparecía la voz de una joven cantante de Bahía que haría una larga carrera, Maria Creuza, y un joven guitarrista de nombre Antonio Pecci Filho pero que todos conocían con el sobrenombre de Toquinho.

Vinicius, Toquinho, Jobim y Miúcha (hermana de Chico Buarque y esposa de De Moraes) interpretan un meadley bien brasileño. Gran parte de la historia de la música de Brasil ante tus ojos en este curioso video.


Hoy en día, si se oye con atención el disco, se puede apreciar como Toquinho improvisa mientras Vinicius dirige unas palabras a su público; luego se escucha el corte de la grabación, y se nota el cambio de tono de la guitarra de Toquinho. Vinicius cuenta que aquellos fueron de los mejores años de su vida, donde no faltaron mujeres y whisky. Con su voz de cava, teñida por el tabaco y el alcohol, Vinicius canta como nunca lo hizo y se siente tan a gusto que nos explica varias
historias como aquella en la que asegura que Josephine Baker había decidido adoptar a Toquinho, comentario que obviamente levanta las risas del supuesto auditorio.

El propio Vinicius explicó algunos detalles del disco. "La idea de hacer un LP del show que presenté recientemente en La Fusa (el adorable café concert de Silvina y Coco Pérez) junto a la cantante bahiana Maria Creuza y al guitarrista y compositor paulista Toquinho encontró respuesta inmediata en la sensibilidad de Alfredo Radoszynski, director del sello Trova. Tratándose de un disco para el gran público y no solamente para una minoría de aficionados, le sugerí a Alfredo que lo grabáramos en el estudio, para evitar las distorsiones comunes en las grabaciones en vivo, donde el artista tiene que estar más atento al público que a los aparatos de reproducción sonora. Así lo hicimos, grabando también el ambiente de La Fusa y el calor de los aplausos que el público porteño nos brindó en nuestros recitales. [...] Le pedí entonces a mi amigo Alfredo que invitara a dos excelentes músicos argentinos con los cuales había trabajado en noviembre de 1969 en el teatro Émbassy. Se trataba de Mario Mojarra Fernández y Enrique Zurdo Roizner, quienes cumplieron su labor a la perfección. Fueron dos sesiones nocturnas que finalizaron con las primeras luces del día, totalizando 16 horas de trabajo en un ambiente de bohemia, de gran cordialidad; donde no faltaron los elementos primordiales: botellas de whisky y mujeres bonitas. Registramos nuestro show con aquel mismo espíritu de íntima comunicación e informalidad que nos
gusta para transmitir nuestras canciones. El resto se debe a los oídos afinados de técnico de Gerd Baumgartner y los buenos oficios de Mike Ribas, cuya colaboración fraterna agradecemos profundamente".

El disco fue desde el principio un éxito enorme y dio pie a la grabación de una segunda parte, aunque esta vez la cantante invitada sería Maria Bethania, hermana de Caetano Veloso. Con el nombre de Vinicius de Moraes con Maria Bethania y Toquinho en La Fusa el trabajo contaría con un proceso de elaboración muy similar al de la primera parte y con un equipo prácticamente idéntico. Grabado de nuevo en los Estudios Ion de Bs As en tan solo dos sesiones efectuadas los días 25 y 26 de enero de 1971, el larga duración estaba formado básicamente por temas de Vinicius y Toquinho aunque incluía también versiones de É de Manha de Caetano Veloso, Viramundo de Gilberto Gil y O Tinha de Ser de Jobim. Pero los temas más populares siguen siendo A Tonga Da Mironga Do Kabulete, una alegre canción cuyo título está extraído de una expresión pronunciada en nago, la lengua de los negros de Bahía y que significa algo así como invitar a alguien a volver al lugar de mamá de donde había salido; una divertida samba de nombre Samba Da Rosa; Samba de Vençao, una auténtica rendición a los grandes de la música de Brasil y la preciosa Tarde en Itapoà.

Descanse en paz
Marcus Vinícius da Cruz de Melo Morais.

Esperamos que os guste.

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TRACKS

1-A Tonga Da Mironga Do Kabuleté Toquinho, De Moraes
2-É De Manhà
Veloso

3-Samba Da Rosa Toquinho, Vinicius
4-Testamento
Toquinho, Vinicius

5-Samba De Bençao Powell, De Moraes
6-Tarde en Itapoà
Toquinho, De Moraes

7-Viramundo Gil
8-Apelo
Powell, De Moraes

9-Como Dizia o Poeta
Toquinho, De Moraes, Albinoni

10-O Que Tinha De Ser
Jobim, De Moraes

11-O Dia Da Criaçao
De Moraes


CREDITS


Vinicius De Moraes
Vocals

Toquinho
Guitar, Vocals
Maria Bethania Vocals Alfredo Remus Acoustic Bass Enrique 'Zurdo' Roitner Drums Mike Ribas Piano Cacho Gómez Percussion Alfredo Radoszynski Producer



Jazzy

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